Форум гитаристов

УДРУЧАЮЩАЯ ТИШИНА ПУСТОГО ЗАЛА


СЛУШАТЕЛЬ ДУМАЕТ О ФУТБОЛЕ


В КАЖДОМ ЧАСТЬ БЕТХОВЕНА

НА ЧЕМ ДЕРЖИТСЯ МУЗЫКА?


"КИТЫ" ВТОРГАЮТСЯ В ЖИЗНЬ


"Я ТЕРПЕТЬ НЕ МОГУ МУЗЫКУ"


МОСТЫ, ПО КОТОРЫМ МОЖНО ВОЙТИ В МИР МУЗЫКИ

Слова эти, придуманные сказочниками Востока, наделены волшебной силой. Перед тем, кто их знает, раскрываются все ворота.
Песня тоже обладает удивительной силой, перед которой раскрываются ворота музыкального царства. Она является "сезамом", который помогает нам войти практически в любую область музыки - романсы, хоры, кантаты, оратории, квартеты, сонаты, симфонии и оперы. Мы знаем, что песня невелика по форме, но богата содержанием. Она окажет нам помощь, которой мы от нее ждем.
Вокруг вас звучат разные мелодии, которые всем хорошо знакомы.
Вот украинская песня "Журавель".

http://www.youtube.com/watch?v=HOxii7sDGkc

Вот русская плясовая "Камаринская".

http://www.youtube.com/watch?v=mtEixCb5DSw

Вот опять лирическая "Береза".

http://www.youtube.com/watch?v=Riq7e6GkXPg

К этим песням каждый может добавить множество других песенных мелодий - веселых и грустных, быстрых и протяжных. Русские, украинские, латышские, казахские, мелодии народов Европы, Азии, Америки, Африки...
На фортепьяно можно сыграть много разных мелодий. Если бы у них были слова, получились бы песни.
В симфоническом оркестре песни звучат без слов, чтобы их не голоса пели, а играли инструменты - флейты, скрипки, трубы, кларнеты, виолончели, валторны. Эти инструменты могут звучать как отдельно, так и одновременно - по 2, по 3 или все вместе, весь оркестр в 80 или 100 человек.
А в хоре поют женские голоса - сопрано и альты, мужские голоса - тенора и басы. В театре оркестр, хор и солисты сливаются в единое музыкально-драматическое представление, обогащенное театральной живописью-декорациями. Так песня переходит и в фортепьянную музыку, и в симфоническую, и в хоровую, и в оперную - и везде чувствует себя, как дома.

Композиторы разных стран изучали музыку своего народа так же, как и свой родной язык. Они любили народную песню, опирались на нее в стремлении сделать музыку понятной и близкой слушателям.
Народная песня, как источник живой воды, давала композиторам вдохновение, учила их красоте и мастерству, любить жизнь и человека, понимать народную мудрость.
Но это не значит, что композиторы брали готовые мелодии и просто вставляли их в свои сочинения - главное не воспользоваться музыкой, сочиненной народом, а научиться на этой музыке родному музыкальному языку, как писатель учится языку литературному.
Поэтому музыка Глинки, Чайковского и Прокофьева звучит как русская, Шопена - как польская, Грига - как норвежская, ЛИста - как венгерская.
Интерес композиторов к народной музыке проявляется, когда народы борются за свободу и независимость, когда появляется стремление утвердить силу и самобытность духовного мира.
Например, в России это произошло в 19 веке, после победы над Наполеоном. Музыка Глинки, Даргомыжского, Бородина, Чайковского и Римского-Корсакова так близка к народной, что их мелодии давно уже стали народными песнями.
Композиторы, учась у народа, не остались в долгу. Глинка написал "Ивана Сусанина" и "Руслана и Людмилу", Бородин - "Князя Игоря" и богатырскую симфонию, Мусоргский - "Бориса Годунова" и "Хованщину". Долго перечислять всё, что создали композиторы, прикоснувшись к этому источнику.

Эти слова сказаны основоположником русской музыкальной классики Глинкой. Но эти слова не надо понимать буквально, так как сам Глинка редко пользовался мелодиями народных песен. Смысл в том, что композитор учится у народа думать, чувствовать и творить. Глинка сумел воплотить в музыке думы, чувства и дух русского народа.
В опере "Иван Сусанин" он воспользовался одним русским народным мотивом, но вся опера дышит русской песенностью, вступая в контраст с музыкой поляков.

http://www.youtube.com/watch?v=xCc0uc3QoU4

В сказочно-эпической опере "Руслан и Людмила" нет ни одной народной мелодии, а музыка по духу такая же русская, как и в "Сусанине".

http://www.youtube.com/watch?v=lQjHkoyNvAE

Но есть у Глинки и произведения, построенные на мелодиях народных песен - например, "Камаринская", про которую Чайковский сказал, что в ней, как дуб в желуде, вся русская симфоническая музыка. Глинка положил в основу этого сочинения свадебную песню "Из-за гор высоких" и плясовую "Камаринскую".

http://www.youtube.com/watch?v=dBcfyur1VDY

Часто пользовался народными мелодиями и Чайковский. Например, "Журавля" он включил во 2 симфонию, а "Березу" в 4. Эти простые, незатейливые песни превратились в симфонические мелодии и легли в основу финалов симфоний.

http://www.youtube.com/watch?v=Z1O9iEzxDb4

http://www.youtube.com/watch?v=zCwianfvoRg

Сделались ли песни лучше или хуже оттого, что поселились в мир симфонической музыки? Конечно, песня в звучании голоса хороша, но в симфоническом оркестре она может превратиться в ослепительный фейерверк вариаций, из нее может вырасти картина народного праздника. Сохранив песенную красоту, она может звучать возбужденно и радостно, мягко и задумчиво, резко и напряженно, а то и несется в веселом хороводе. Трудно представить, как скромный росток может дать роскошное цветение.
Вот так простая народная песня привела нас в богатый и сложный мир симфонической музыки.

Опера тоже своим существованием обязана песне. Вот какие превращения происходят с песней, когда она попадает в эту интересную и сложную область искусства.
Речь пойдет о сатирической опере Римского-Корсакова "Золотой петушок", написанной по сказке Пушкина.

http://www.youtube.com/watch?v=EkmkH-nhA3E

Опера эта стала острым оружием, направленным против царского самодержавия, так что цензура запретила ее, и первое исполнение оперы состоялось только через много лет после смерти композитора.
Сочиняя свою музыкальную сказку, Римский-Корсаков говорил: "Царя Додона надо посрамить окончательно". Что он для этого придумал?
Тут можно вспомнить коротенькую глупенькую песенку, которую никто не осмеливается петь всерьез. Называется она "Чижик-пыжик". Музыкальный сказочник вложил "Чижика" в уста царя Додона, когда царь влюбился в Шемаханскую царицу и жениться на ней собрался. Римский-Корсаков заставил царя петь на мотив "Чижика" такие слова: "Буду век тебя любить, постараюсь не забыть. А как стану забывать, ты напомнишь мне опять".
Вот какой сильный, полный сатирического смеха образ создал Римский-Корсаков с помощью маленького глупенького "Чижика".

Камерная музыка - для 1 или нескольких человек - часто исполняется не только в концертной, но и в домашней обстановке. Любители музыки приходят друг к другу, чтобы послушать музыку и принять участие в ее исполнении. Это может быть музыка сольная - для фортепьяно, флейты, скрипки, арфы или других инструментов, а могут быть и сочинения для ансамблей - дуэтов, трио, квартетов. В домашних концертах принимают участие и певцы.
Было время, что у хозяина не было постоянного партнера для музыкальных занятий, или он был плохим музыкантом, так что никто не хотел с ним играть - тогда прибегали к помощи слуг. Мы ведь отлично знаем, что среди этих слуг, развлекавших своих хозяев, было много одаренных музыкантов. В газетах появлялись объявления: "Господа ищут лакея, играющего на скрипке и умеющего аккомпанировать фортепьянные сонаты".
В наше время камерная музыка вышла за пределы дома и стала исполняться в небольших концертных залах.
Интересная форма камерной музыки - струнный квартет, состоящий из 2 скрипок, альта и виолончели. Сочинения для струнного квартета писали многие композиторы, как иностранные - Гайдн, Моцарт, Бетховен, так и русские - Глинка, Бородин, Чайковский, Танеев, Прокофьев, Шостакович.
Вот струнный квартет играет красивую мелодию. Она звучит нежно и мягко, так как на всех инструментах надеты сурдинки, похожие на гребешки. Когда их надевают на струны, звук становится мягче и нежнее.

http://www.youtube.com/watch?v=tauVO8_S8vk

Что это за мелодия? Русская народная песня "Сидел Ваня на диване". Она звучит так, словно говорит: хороша русская песня. Вы слышите в ней красоту природы и души русского народа. Это одна из частей 1 квартета Чайковского.
А другой квартет заиграл другую музыку. Знакомство с ней будет интересным и немного необычным.

http://www.youtube.com/watch?v=oXLKu-HglnM

Это веселый плясовой напев, часто встречающийся в русской народной музыке. Вот музыканты закончили одно произведение и начали другое. В 1 части музыка не похожа на русскую. Но началась 2 часть, и 1 скрипка, виолончель, альт и 2 скрипка по очереди пропели мелодию старинной русской величальной песни "Слава". Она звучит у Римского-Корсакова в "Царской невесте" и у Мусоргского в "Борисе Годунове".
Как попали русские народные песни в сочинения немецкого композитора Бетховена?
Бетховен не только любил музыку своего народа, но и проявлял интерес к музыке других народов. У него есть и шотландские, и ирландские, и уэльские песни.
И вот Бетховен получает в подарок от графа Разумовского сборник русских народных песен. Они покоряют его красотой, открывают перед ним новый мир. Эти мелодии он включает в свои квартеты и посвящает их русскому графу. Но, разумеется, русские мелодии не могли изменить творческого облика композитора - он остался немцем.
Характер музыки зависит не только от песенных мелодий - он так же своеобразен, как и речь. Сравните, например, украинскую и армянскую речь, тогда вам будет легко понять различие между украинской и армянской музыкой. Не удивительно, что украинское или армянское произведение не только не станет русским, если в него будут включены русские мелодии, но и звучание этих мелодий несколько изменится под влиянием украинского и армянского народного характера.

Песня раскрыла двери в музыку симфоническую и камерную. По мосту песни можно войти в мир оперной музыки, что и будет сделано в дальнейшем.
Продолжим наше путешествие с песней. Она живет в форме романса, который так мало от нее отличается, что не всегда удается провести между ними грань. Например, у того же Кабалевского есть серенада Дон-Кихота - и никто не знает, песня это или романс.

http://www.youtube.com/watch?v=dqnIJB-lMEg

Прежде всего, разница заключается в том, что песню может петь 1 человек, или несколько, или большой хор, а романсы в основном исполняются солистами. И форма песен проще. Песня представляет из себя несколько раз повторяющийся куплет, а в романсе мелодия развивается шире, свободнее, и куплетность не обязательна.
А теперь прислушаемся к хоровым произведениям - кантатам и ораториям, в которых звучит хор и оркестр. Здесь к музыке присоединяется сюжет, и мы оказываемся на пути в театр. В кантате и оратории песня разрастается до таких масштабов, о которых в первоначальном виде и не мечтает.
Возьмем, например, фильм-кантату режиссера Эйзенштейна и композитора Прокофьева "Александр Невский". Песня об Александре Невском широкая, эпическая, неторопливая. Страшную песню, похожую на церковное песнопение, поют крестоносцы. Песня "Вставайте, люди русские" звучит как призыв защищать Родину от врага. После этого идет картина Ледового побоища - композитор смешал мелодию русских воинов с мелодией крестоносцев и, завершив картину русской песней, показал исход побоища. Потом возникает печальная песня девушки, оплакивающей погибшего жениха. Завершается кантата колокольным звоном и праздничным хором, напоминающим "Славься" из "Ивана Сусанина" Глинки.

http://www.youtube.com/watch?v=0l1-9QNCCSo

А теперь прислушаемся к фортепьянной музыке. У того же Кабалевского есть сборник небольших пьес-прелюдий. В основу каждой из этих прелюдий положена мелодия русской народной песни. Лермонтов так и писал: "Если я захочу вдаться в народную поэзию, то буду ее искать в русских песнях".
Примерно такой же цикл прелюдий сочинил и композитор Белый. В основе каждой прелюдии - народная песня одной из республик Советского Союза. Так песенные мелодии превратились в фортепьянные.
Короче говоря, вокруг нас часто звучат такие мелодии, из которых могли бы получиться песни. Но это уже не просто песни и не просто мелодии, а нечто большее, называемое песенностью. Эта песенность проявляется у разных народов, в сочинениях разных композиторов.
Не будь песни - не было бы и музыки.

Если мы пойдем за танцем, как за песней, то обнаружим, что в руках у нас уже второй "сезам". Танец откроет ворота любой области музыки - от небольшой фортепьянной пьесы до симфонии, оперы и балета.
Танцевальная музыка, как и песни, сочинялась безвестными творцами из народа. Танец был связан с песней, с ее музыкой и текстом.
Когда танцевальная музыка стала независимой от песни, ее стали сочинять специально для танцев. Без нее не обходился ни один праздник. Танцы, как и песни, вошли в повседневную жизнь людей.
Танцы были разными, в зависимости от того, кто и где их танцевал. Одно дело при дворе - и совсем другое на деревенской площади, где собиралась беднота.
Русская императрица Елизавета любила музыкальные балы и другие развлечения. Процессия в разнообразных костюмах, с музыкальными инструментами в руках, двигалась по всем помещениям дворца. А впереди скрипач. Он не только играл на скрипке танцевальные мотивы, но и сам танцевал, воодушевляя двигающихся за ним гостей.
Танцы придворных вельмож и по музыке, и по движениям отличались от танцев, украшавших жизнь народа.
Вот до чего доходило стремление не допустить в благородное общество простонародную музыку.
Глядя на скромную сарабанду, которую танцуют в "Спящей красавице" Чайковского, трудно поверить, что этот латиноамериканский танец, распространившийся по Европе через Испанию, подвергался гонениям. За исполнение этого танца в 16 веке женщин выгоняли из Испании, а мужчин наказывали плетьми и отправляли на галеры. А в России при императоре Павле было запрещено вальсировать.

http://www.youtube.com/watch?v=_ULAjRMD790

Есть в "Пиковой даме" Чайковского любопытная сцена. Собрались к Лизе подруги. Сперва с Полиной Лиза поет дуэт "Уж вечер, облаков померкнули края". Потом Полина, аккомпанируя себе на клавесине, спела печальный романс. И вдруг, забыв о правилах хорошего тона (Лиза - воспитанница старой графини) девушки пустились в пляс. Вбегает гувернантка: "Мадемуазель, что у вас за шум? Графиня сердится. Не стыдно ли вам плясать по-русски? Барышням вашего круга надо приличия знать".

http://www.youtube.com/watch?v=16I8grKxD5w

Но народные танцы, несмотря на запреты и гонения, пробивали дорогу повсюду, не останавливаясь перед воротами дворцов и перед дверями особняков.
Впоследствии композиторы начали приспосабливать народные танцы для исполнения на разных инструментах, ансамблями и оркестрами, и стали сочинять свои собственные. Так появилась танцевальная музыка, которая звучала не только на танцах, но и в концертах, напоминая о танцевальном веселье. Эта музыка писалась всеми композиторами и проникла во все жанры и формы музыки.

Зайдем сперва в музыкальную школу. Это царство детской музыки - за каждой дверью искусство и труд. Труд этот радостен, как искусство, и серьезен, как любой труд человека. Малыши, в ручках которых даже маленькая скрипка кажется настоящим инструментом, как большая у взрослых, понимают, что на этой скрипке надо заниматься.
Малыши учатся играть на разных инструментах народную, классическую и современную музыку. И в каждом сборнике для маленьких музыкантов мы найдем несколько танцев.
Вот альбом пьес Баха, без которого не обходится ни один начинающий пианист. Там 8 танцев - 6 менуэтов и 2 полонеза.
Более трудные произведения Баха играют подготовленные пианисты в музыкальном училище. В основном это сюиты - циклы из нескольких пьес, близких друг другу по характеру. В них собраны танцы того времени - аллеманды, куранты, сарабанды, менуэты, гавоты, рондо.
Посмотрим сборники Моцарта и Бетховена - 6 вальсов, 6 немецких танцев, 7 народных танцев, 6 менуэтов, 6 экосезов, 3 немецких танца, менуэты, вальсы.
Много танцевальных пьес для детей написано и русскими композиторами - это и Прокофьев, и Шостакович, и Хачатурян, и тот же Кабалевский. В основном это вальсы, пляски, польки и галопы.
Крепко обосновался в музыкальной школе 2 "кит", уютно чувствует себя в компании маленьких музыкантов, помогает им стать большими.

Перейдем из музыкальной школы в концертный зал.
Около 200 лет назад, одновременно с Бетховеном, жил в Вене неизвестный и непризнанный музыкант. Он любил народную музыку и создал много сочинений - 600 песен, 300 вальсов и несколько маршей. В своем творчестве он опирался на всех 3 "китов".
В кругу друзей, а то и среди незнакомых людей, на вечеринках, в салонах и ресторанах он садился за фортепьяно и играл музыку для танцев, на ходу сочиняя ее. Танцующие награждали аплодисментами тапера, даже не подозревая, что перед ними сам автор музыки.
Лишь после смерти этот музыкант занял достойное место среди лучших композиторов мира. Имя этого музыканта, умершего в бедности в 32 года и похороненного рядом с Бетховеном - Шуберт.
Памятник на его могиле рассказывает о трагедии композитора: "Смерть похоронила здесь богатое сокровище, но еще более прекрасные надежды. Здесь покоится Франц Шуберт (1797-1828)".
Сегодня под музыку Шубертовских вальсов никто не танцует, но слушание этой музыки доставляет всем удовольствие. Особенность этих небольших фортепьянных пьес в том, что они не только танцевальные, но и певучие. Сам Шуберт утверждал, что клавиши под его пальцами начинали петь. Но прежде всего, пели не клавиши под его пальцами, а сама его музыка, под которую хочется и петь, и танцевать.

http://www.youtube.com/watch?v=OWwqRZsI558

Но еще чаще, чем Шубертовские танцы, в концертных залах звучат танцы польского композитора Шопена.
Странно, что ни одного композитора не играют одновременно и хорошо, и плохо. Дело в том, что Шопена играют лучшие пианисты - в их исполнении Шопен звучит хорошо. Но нет ни одного любителя музыки, который едва научился играть на фортепьяно, чтобы он не ставил перед собой ноты Шопеновских вальсов. Тут Шопен и звучит плохо. Все любят Шопена, и каждому хочется, даже неумело и коряво, прикоснуться к его музыке.
Все произведения Шопена написаны для фортепьяно - сонаты, баллады, этюды, прелюдии, концерты, исполняемые вместе с оркестром, а также 17 вальсов, 16 полонезов и 58 мазурок.
Этим танцевальным пьесам и обязана музыка Шопена своей популярностью. Простые мотивы польской музыки, которую любил Шопен, превратились в украшенные звуковым кружевом фортепьянные мелодии.
Танцы Шопена еще дальше, чем Шубертовские, отошли от той музыки, под которую танцуют. Шопеновские мазурки, полонезы и вальсы - это музыкальные поэмы, разнообразные по выраженным чувствам. Мы слышим в них тоску по Родине (Шопен долго жил на чужбине), и отзвуки освободительной борьбы польского народа, нежность и драматизм, изящество и блеск. И в этих прекрасных мелодиях заключена привлекательность Шопеновской музыки.

http://www.youtube.com/watch?v=lAvcmWK7jVE

http://www.youtube.com/watch?v=ShTJXwB16EA

В концертных залах, где выступают пианисты, мы услышим много танцевальных пьес - нет ни одного композитора, который не сочинял бы танцы. Это и Чайковский, и Григ, и Рахманинов, и Прокофьев.
Например, Скрябин - единственный композитор, который не написал ни одной песни, но и среди его сочинений мы найдем несколько полонезов, вальсов и мазурок, написанных под влиянием Шопена, его любимого композитора.

Попытаемся проникнуть в мир симфонической музыки, где мы недавно прислушивались, как звучат песни. Мы встретим здесь несложные танцы, превращенные руками композиторов в оркестровые пьесы. 1 место среди этих мастеров занимает австрийский композитор Штраус младший, прозванный королем вальсов. А был в свое время и еще один король вальсов - Штраус старший, его отец, автор 250 вальсов, полек и других танцев.
Отец и сын поделили 19 век - отец творил в 1 половине, сын во 2. Познавший не только славу, но и превратности судьбы музыканта, Штраус старший был против музыкальных занятий сына. Но Штраус младший пошел против воли отца и превзошел его по всем статьям - прожил на 30 лет дольше и сочинил не только вдвое больше танцев (почти 500), но и прославился как автор танцевальных оперетт.
Популярность увлекательных танцев Штрауса младшего была невероятна. Посмотрите фильм "Большой вальс" - там показано, как музыка Штрауса увлекала и закручивала в вихре вальса людей юных и почтенного возраста, бедных и богатых, готовых танцевать под музыку Штраусовских вальсов и способных слушать эту музыку.
Отец и сын оба были дирижерами, но если Штраус старший дирижировал на балах, то Штраус младший - в концертных залах. Он часто бывал в России и дирижировал не только легкой танцевальной музыкой, но и серьезными сочинениями Чайковского и других русских композиторов.
Однако ярче всего Штраус младший проявил себя как дирижер вальсов - тут его никто не мог превзойти. Его вальсы танцевали во дворцах и домах, на улицах и площадях. Вся Европа сходила с ума от Штраусовских венских вальсов. Трудно назвать другого композитора, который увлекал музыкой аристократов и одновременно был любимым композитором в широких кругах простого народа.
Еще и до сих пор на стенах концертных залов вы можете увидеть афиши "Вечер вальсов Штрауса". Эти вечера привлекают и любителей легкой музыки, и ценителей серьезного искусства. При упоминании имени Штрауса люди ждут чего-то яркого, радостного, увлекательного.

http://www.youtube.com/watch?v=1kCVSVKl8u8

Но разве только Штраусовские вальсы, польки и галопы звучат в симфонических концертах? Многие слышали если не в концертах, то по радио или на дисках венгерские танцы Брамса, славянские танцы Дворжака, норвежские танцы Грига. Эти сочинения увлекают разнообразием танцевальных ритмов и красотой звучания. Талант и мастерство композиторов опираются на надежную основу - музыкально-танцевальное искусство разных народов.

http://www.youtube.com/watch?v=WbNXDlQkBRQ

http://www.youtube.com/watch?v=58EMCwxmMBk

http://www.youtube.com/watch?v=IMuZ85bge1c

И в музыкальной школе, и в концертных залах, где выступают солисты и оркестры, мы встречались с танцевальными пьесами, написанными для слушания, а не для того, чтобы под них танцевать. Но все-таки они остались отдельными танцами - менуэтами, вальсами, полонезами, польками.
Завоевав такие позиции во всех областях музыки, танец и на этом не остановился. Он проник в такую сложную форму музыки, как симфония. Одна из частей симфонии чаще всего написана в форме менуэта или вальса.
Менуэты встречались в западных симфониях, а вальсы в русских. Среди примеров такого рода можно назвать менуэты в симфониях Гайдна и Моцарта, вальсы в 5 и 6 симфониях Чайковского, в 5 симфонии Шостаковича и в 7 симфонии Прокофьева.
Но даже попав в симфонию, танец не перестал быть танцем. Менуэт или вальс из симфонии можно исполнить отдельно, и он прозвучит как самостоятельная пьеса в характере менуэта или вальса.
Композиторы сочиняют такие пьесы, которые не похожи на отдельные танцы, но пронизаны танцевальным характером. Быстрые танцы сменяются медленными, печальные звучат рядом с веселыми, танцы, похожие на песни, идут вслед за шуточно-игровыми танцами маршевого характера. К таким пьесам относятся венгерские рапсодии ЛИста, построенные из танцевальных мелодий венгерских цыган.

http://www.youtube.com/watch?v=8nJo9gacsTg

Иногда в основу сочинения положен определенный танец, но развит он так богато, что из него вырастает музыкальная поэма. Образцом такой поэмы может служить вальс-фантазия Глинки. Слушая эту красивую музыку, мы чувствуем, что композитор рассказывает о драматических событиях, развернувшихся на балу на фоне взволнованного вальса.

http://www.youtube.com/watch?v=oDV_M1aIp8E

Как известно, в драме Лермонтова "Маскарад" тоже во время вальса разыгралась драматическая история - Арбенин из ревности отравил свою жену Нину. Композитор Глазунов, сочиняя музыку к "Маскараду", предложил в сцене бала исполнять вальс-фантазию - он почувствовал в музыке Глинки что-то близкое к Лермонтовской драме.
Но вальс к "Маскараду" все-таки появился. Он звучит по радио и телевидению, в концертных залах и на дисках. Многие хорошо знают и любят тревожную, насыщенную драматизмом и страстью музыку этого вальса, передающего атмосферу Лермонтовской драмы.
Кто же рискнул взяться за трудную задачу и решил ее? Этим смельчаком был известный композитор Хачатурян. Нет другого композитора, чья музыка так пронизана танцевальностью. Танцевальны не только его балеты "Гаянэ" и "Спартак", но и симфонии, рапсодии, концерты, фортепьянные пьесы.
Удивительно ли, что, сочиняя музыку к "Маскараду", Хачатурян создал увлекательный вальс, слушая который, никто не останется равнодушным?

http://www.youtube.com/watch?v=d7TU9TPF-D0

Мы попали на оперный спектакль. Опера выросла из песни, а не из танца, но на сцене танцуют - полонез, краковяк, вальс, мазурку. Это опера "Иван Сусанин". Мы с вами попали на польский акт, в котором Глинка изобразил шляхту, любившую пышные балы. Чтобы обрисовать шляхтичей, Глинка устроил в опере целый бал.

http://www.youtube.com/watch?v=M3qHJMpkv2s

Любовь Глинки к танцам сказалась и в опере "Руслан и Людмила". Здесь нет целого танцевального акта, но танцевальные ритмы пронизывают 2 сцены этой оперы - в зАмке Наины и в волшебных садах Черномора. По красоте и разнообразию эти танцы не уступают танцам польского акта.

http://www.youtube.com/watch?v=23DUt0ionng

http://www.youtube.com/watch?v=Zvfkk_eu3vc

Такое количество танцев, как в "Сусанине" и "Руслане", встречается редко, но еще реже можно встретить оперу без танцев. Многие оперные танцы так популярны, что мы слышим их еще до того, как услышали всю оперу.
Например, многие знают вальс из "Евгения Онегина" Чайковского, а всей оперы не слышали. Так же обстоит дело и с половецкими плясками из оперы Бородина "Князь Игорь", и с полькой из оперы чешского композитора СмЕтаны "Проданная невеста".

http://www.youtube.com/watch?v=0pFybHFOF2o

http://www.youtube.com/watch?v=a__kdY18g3M

http://www.youtube.com/watch?v=ONV60xbRk68

А сейчас присмотримся к самой танцевальной из областей музыки - к балету.
Опера возникла от соединения песни с театром, а балет вырос от соединения танца с театром. И неизвестно, что мы любим в балетном искусстве больше - танцы или музыку. Балетная музыка остается музыкой, даже если мы ее слушаем в концертном зале, по радио или в записи, не видя самих танцев. А вот из танцев без музыки балета не получится - вне музыки танцы существовать не могут.
Музыка связана и с поэзией, и с прозой, и с драматургией, и с театром, и с живописью - но все эти искусства существуют самостоятельно и независимо от музыки. А танец без музыки существовать не может. И это не недостаток, а свойство, которое обогащает его - танец проникается музыкальностью, а музыка танцевальностью, и это танцевально-музыкальное искусство воздействует с двойной силой.
Поскольку балетная музыка существует и вне балета, наше знакомство с балетами, например, Чайковского начинается не в театре на представлении балетов, а в концертом зале, у приемника или перед магнитофоном, когда мы слушаем вальс из "Спящей красавицы", танец пастушков из "Щелкунчика" или танец маленьких лебедей из "Лебединого озера".

http://www.youtube.com/watch?v=2h6vIDauvMw

http://www.youtube.com/watch?v=sMyUagOIbn0

http://www.youtube.com/watch?v=rDdcw_p3eJg

А кто не знает танец с саблями Хачатуряна, в музыке которого нарисована картина мужественной пляски горцев с обнаженными мечами? Самостоятельная ли это пьеса, или отрывок из более крупного произведения? Мало кто знает, что это танец из балета "Гаянэ", названного так по имени молодой армянки, главной героини балета.

http://www.youtube.com/watch?v=gvAspXhmxbk

Но из отдельных танцев балет не получится. Для этого нужна танцевальность, которая вырастает из танца, как песенность из песни. Например, мазурки, вальсы и полонезы Шопена превратились в музыкальные поэмы. А Глинка в вальсе-фантазии выстроил музыкальную драму.
Танцевальная музыка, помогающая артистам разыгрывать драматические сцены, сочетаясь с отдельными танцами и чередуясь с ними, создает в руках композитора и балетмейстера целое представление.
Отдельные танцы мало что могут выразить. А развитая танцевальность выражает в балете серьезные темы - от Шекспировской трагедии в балете Прокофьева "Ромео и Джульетта" до темы революции в балете Асафьева "Пламя Парижа" и борьбы за освобождение Африки в балете Караева "Тропой грома".

http://www.youtube.com/watch?v=c5NHYs9aMxo

http://www.youtube.com/watch?v=b4Upa_E7oEo

Короче говоря, простая танцевальная музыка, как и песня, привела нас в разные области музыки - от небольших фортепьянных пьес до оперы и балета.
В любой из этих областей, как только мы услышим танцевальные ритмы и мелодии, музыка становится близкой и понятной, как и та, в которой мы слышим звучание песен.

Кто не знает турецкий марш Моцарта - одного из прекрасных композиторов, живших на земле? Только танец маленьких лебедей Чайковского может соперничать с ним по своей популярности даже у малышей.

http://www.youtube.com/watch?v=XCBi5kCbeNg

Но даже и взрослые не могут ответить на такие вопросы: что это за марш, откуда он, самостоятельная ли это пьеса или часть большого сочинения, и какое настоящее название этой пьесы?
Этот турецкий марш сочинен Моцартом как финальная часть одной из его фортепьянных сонат. Моцарт никогда не называл эту музыку турецким маршем, а только турецким рондо.
Название "марш" отражает характер этой музыки - изящной, упругой по мелодии и четкой по ритму. Это слово понятнее для слушателей, чем "рондо", которое указывает на то, что музыка основана на постоянном повторении одной и той же мелодии (рондо - это хоровод, круговой танец).
Когда Моцарт создавал эту музыку, в Европе впервые услышали турецкую музыку. В этой музыке часто использовался большой барабан, изобретенный в Турции. Шумные удары турецкого барабана Моцарт остроумно воспроизвел в своем турецком рондо.
Едва мы вступили на мост, именуемый маршем, как сразу же очутились в интересной области фортепьянной музыки, с которой познакомились, идя вслед за танцем. Но там были отдельные вальсы, мазурки, полонезы - а теперь мы встретились со сложной формой сонаты, состоящей, как симфония, из нескольких частей (соната - это симфония не для оркестра, а для отдельных инструментов).
Но прежде, чем расстаться с этой формой, к которой привел нас турецкий марш Моцарта, вспомним еще один известный марш, совсем другого настроения и содержания.
Постарайтесь вызвать в памяти печальные звуки, которые говорят, что проходит траурная процессия. Тяжелые медленные шаги и удары погребального колокола слышатся в этой волнующей музыке. Так звучит 1 часть. Вслед за ней возникает мажорная мелодия - светлый образ того, кого хоронят.

http://www.youtube.com/watch?v=M_tAh3ekEgQ

Всем знаком траурный марш Шопена. Но не все знают, что Шопен не предполагал, что этот марш будут играть на улицах и площадях духовые оркестры. Он сочинил этот марш как часть фортепьянной сонаты. А сонаты, как камерные произведения, предназначаются только для исполнения в концертных залах.
Как же случилось, что этот марш зажил широкой общенародной жизнью, стал достоянием большого числа людей, с которым невозможно сравнивать число посетителей концертов?
Ответ на этот вопрос можно найти в музыке марша. "Возникает чувство, что не смерть героя оплакивается, а пало целое поколение", - сказал друг Шопена, венгерский композитор ЛИст. А вот слова русского музыкального критика Стасова: "Знаменитый похоронный марш, единственный в своем роде, изображает шествие народа, убитого горем, при трагическом звоне колокола".
Не смерть одного человека и не горе близких людей воплотил Шопен в своем марше. Всю трагедию Польши и скорбь души, измученной мыслями о страданиях Родины, заставляет Шопен почувствовать в этой музыке.
Впервые траурный марш вышел из стен концертного зала и прозвучал на церемонии похорон в Париже. Хоронили великого польского музыканта Шопена.

В оперно-балетный театр приводили нас и песня, и танец. А теперь марш зовет нас заглянуть на самое начало оперного спектакля.
Свет в зале погас, а занавес оказался освещенным. Дирижер поднял палочку. Мы узнаем эту музыку с первого аккорда. Это яркий марш, быстрый и огненный, полный красивых мелодий. Едва он успел отзвучать, приходит новый марш, более размеренный и певучий.

http://www.youtube.com/watch?v=PP8w4m_Yi3c

Какой спектакль начинается этой увертюрой? "Кармен", опера французского композитора Бизе, одна из любимых и популярных опер в мире. Познакомившись с ней, Чайковский "воспламенился любовью" к этой чудесной опере.
Вот на какой интересный спектакль привел нас марш. На протяжении всей оперы мы услышим и тревожный марш контрабандистов, и веселый хор мальчиков, подражающих солдатам, не расстанемся и с маршами увертюры. Бравурный и жизнерадостный сопровождает корриду - бой быков. А гордый и самоуверенный превратится в арию тореадора.
Таким могучим оказался 3 "кит" - на нем покоится увертюра к знаменитой опере. Впрочем, кроме маршей, в конце увертюры есть нечто важное.

Отправившись за маршем, мы побывали в концертном зале, где исполнялись фортепьянные сонаты, прислушались к звучанию духового оркестра, зашли на оперный спектакль. В какую сторону царства музыки мы бы ни пошли - всюду услышим марши, не похожие один на другой.
Марши, как песни и танцы, различны по характеру, форме, мыслям и чувствам - изящный турецкий марш Моцарта, величественный траурный марш Шопена, жизнерадостные марши Бизе. Мы никогда их не спутаем, такие они разные.
Даже простые марши, которые мы слышим в повседневной жизни, отличаются друг от друга, но всегда подчинены определенным правилам - марш всегда пишется на 2, 4, 8 или 16, чтобы удобно было шагать. Идущие под музыку марша, написанного на 3, 5 или 9, будут сбиваться с ноги. Такая музыка не облегчит похода, а сделает его тяжелым, не поднимет настроения марширующих, а испортит его.
Но мы знаем и несколько исключений из этого правила. Например, написанная в начале войны мужественная патриотическая песня Александрова и Лебедева-Кумача "Священная война" звучит как марш - под нее шагали и солдаты, и партизаны. А написана она не на 2 или 4, а на 3. Но и в трехдольном движении она всё равно является маршем.

http://www.youtube.com/watch?v=10nb18DQCFU

Марши отличаются и по характеру музыки, и по назначению. Строевые походные марши имеют скорость человеческого шага. Кавалерийские более быстрые, рассчитанные на рысь. Под торжественные марши не нужно шагать - при их исполнении происходят церемонии. Есть марши встречные, похоронные, спортивные.
Отличаются марши и тем, для кого они написаны. Услышав даже незнакомые марши, вы сразу определите, какой детский, какой взрослый, какой спортивный, а какой военный.
Но еще больше отличаются друг от друга концертные марши, которые звучат в симфониях, ораториях, операх и балетах. Эти марши отличаются от бытовых, как оперные и балетные танцы от народных и бальных. Каждый марш - это свой характер, свои черты.
Вот несколько известных примеров. "Так судьба стучится в дверь", - сказал Бетховен о мелодии из 4 звуков, с которой начинается его 5 симфония. Картины борьбы человека за счастье нарисованы в первых 3 частях. Победным маршем, утверждающим силу, красоту и благородство, звучит финал одного из лучших сочинений композитора.

http://www.youtube.com/watch?v=pJRmW-qSank

Прислушайтесь к маршу в 3 части Патетической симфонии Чайковского - она была впервые исполнена под управлением композитора незадолго до его смерти.

http://www.youtube.com/watch?v=uQgFnJlkVXg

В пьесах для начинающих музыкантов вы найдете марши у Баха, Шумана, Грига, Чайковского, Прокофьева и Шостаковича. Марши звучат в исполнении певцов-солистов и целых хоров. С маршем вы встретитесь и в опере, и в балете, и в оперетте.
Короче говоря, из песни вырастает песенность, из танца танцевальность, а из марша - маршевость. Это важные качества музыки, которые дают о себе знать в любом произведении. Чем больше произведение и чем богаче его содержание, тем шире его форма и тем разнообразнее проявляются эти качества.

Между 3 "китами" нет непроходимых пропастей - они тесно связаны друг с другом. Песня, танец и марш рождены человеком, нужны человеку и выражают мысли и чувства человека.
Каждый из вас шагает, танцует, поет, но при этом не меняется. Во время танца вы начинаете подпевать движениям. А бывает и так - вы идете куда-нибудь, чуть-чуть подпрыгивая, и при этом что-то напеваете. Все 3 "кита" объединились в одном движении. Так бывает и в жизни, и в искусстве.
Например, "Смело, товарищи, в ногу" - это и песня, и марш. Мы ее и поем, и шагаем под нее.

http://www.youtube.com/watch?v=XGm3ARc5An8

"Вы жертвою пали в борьбе роковой" - тоже песня-марш, но не призывная, а печальная. И все-таки иногда приходится ее петь и шагать под нее.

http://www.youtube.com/watch?v=d9CCYI2GPUw

Прислушаемся к песням-маршам, которые встречаются в жизни. И начнем с музыки Дунаевского - композитора, чьи песни пользуются любовью детей и взрослых. Их любят люди разных профессий и музыкальных вкусов.
Возьмем, например, песенку о веселом ветре Дунаевского и Лебедева-Кумача. Нет никого, кто бы ее не знал и не любил. Сколько хороших песен появилось за многие годы, а эта песня из кинофильма "Дети капитана Гранта" продолжает жить, не стареет, остается молодой и задорной. Вот какую песню-марш написал Дунаевский.

http://www.youtube.com/watch?v=yb66JLfRTtI

А теперь вспомним другие песни-марши Дунаевского - марш веселых ребят на стихи Лебедева-Кумача, вошедший в нашу жизнь тоже с киноэкрана, песня о Родине на стихи Лебедева-Кумача, которая впервые прозвучала в кинофильме "Цирк", марш энтузиастов на стихи Дактиля из фильма "Светлый путь", спортивный марш на стихи Лебедева-Кумача из фильма "Вратарь" и так далее.

http://www.youtube.com/watch?v=bcujiv16fkA

http://www.youtube.com/watch?v=KISGSGi_eno

http://www.youtube.com/watch?v=Ixpm17pE7f8

http://www.youtube.com/watch?v=AXFLI82qMHk

Если слово "марш" отсутствует в названии песен, то композитор в начале музыки ставит указание "в темпе марша". Такое указание сделал он и в песне о Родине.
Маршевые песни Дунаевского различны по музыке, по настроению, по характеру, но в них преобладает одно свойство - они пронизаны любовью к человеку, мужественны, энергичны и озарены доброй улыбкой юности.
Если Штрауса называли королем вальсов, то Дунаевского можно смело назвать королем маршей.

Что такое "Во саду ли, в огороде" или "Камаринская"? Это и песни, и танцы, каких много в народной музыке, поскольку пение в народе часто сопровождалось плясками. В Белоруссии это "Бульба", "Лявониха", "Крыжачок", в Украине "Ой, чия це хата", "Гречаники", в Польше мазурки, а во Франции бержеретты.

http://www.youtube.com/watch?v=ihYhjwi1TT8

http://www.youtube.com/watch?v=hcx5-g-gw0A

http://www.youtube.com/watch?v=X7mSHwYAPZ8

http://www.youtube.com/watch?v=qNOk_pQbfRE

http://www.youtube.com/watch?v=ksxggsscVuk

http://www.youtube.com/watch?v=SXtEtK5lx9w

http://www.youtube.com/watch?v=WIwWcjgBKjs

Танцевальные песни встречаются в современной музыке так же часто, как и в музыке прошлых времен. Но среди многочисленных форм танцевально-песенной музыки есть одна, которой принадлежит особое место.
Мы знаем песни - пляски, польки, краковяки, гопаки, фокстроты, блюзы, твисты. Но ни один танец не породил такого количества песен, как вальс. Это действительно чудо-танец.
Вальс появился как народный танец в Германии, Австрии и Чехии. Танцевали его в городах и деревнях, в незатейливой обстановке, где собирался простой народ. Танцевали вальс под звуки маленьких народных оркестров - 2, 3 или 4 музыканта. Уютно чувствовала себя музыка вальса в скромном исполнении.
В 18 веке вальс перебрался в богатые городские дома, проник в аристократические салоны и королевские дворцы. Заиграли вальс музыканты в камзолах, париках, шелковых чулках и ботинках с бантами. Появились профессора-балетмейстеры, и затанцевали вальс богачи и аристократы. Историки с юмором заметили, что вальс распространился по Европе, как эпидемия гонконгского гриппа.
Продолжая танцевать, люди стали прислушиваться к музыке вальса, получившего всеобщее распространение. Вальс обосновался на концертной эстраде, зазвучал в оркестре и почувствовал себя в симфонии не хуже, чем в танцевальном зале на балу или на сельской пирушке.
Потом вальс стали не только танцевать и слушать, но и запели его. Песни-вальсы создавались народными сочинителями и известными композиторами. Оперные арии в движении вальса сразу же становились популярными.
Вальсы стали петь под гитару, аккордеон, баян. Они звучат в сопровождении эстрадных и джазовых оркестров. Новые танцы появляются и исчезают - а вальс остается, продолжает жить и сегодня, и завтра, и послезавтра.
В любом месте, от школьной вечеринки до изысканного приема, обязательно танцуют вальс. Спросите себя, своих подруг и товарищей, какой танцевальный образ возникает на выпускном балу. Большинство ответят, что это школьный вальс.
На фоне вальса происходит знакомство Наташи с князем Андреем в "Войне и мире" Толстого, разыгрывается драма Нины в "Маскараде" Лермонтова, происходит встреча Ромео и Джульетты у Шекспира.

http://www.youtube.com/watch?v=NWQwz5U8XhQ

http://www.youtube.com/watch?v=2OjOzNdLlNo

Песня-вальс и романс-вальс получили широкое распространение и в русской музыке. Вспомните народные песни "Позарастали стежки-дорожки", "Однозвучно гремит колокольчик", "Мой костер".

http://www.youtube.com/watch?v=2YRHHNRP3PQ

http://www.youtube.com/watch?v=hwWbjtbKsn8

http://www.youtube.com/watch?v=pj6G9-6N5aw

Вспомните Глинку - "В крови горит огонь желанья", Даргомыжского - "Мне минуло 16 лет", Чайковского - "Растворил я окно", "Средь шумного бала".

http://www.youtube.com/watch?v=5l-ejwase_Q

http://www.youtube.com/watch?v=dJeV18P16Ys

http://www.youtube.com/watch?v=nbn2oq3LaUM

http://www.youtube.com/watch?v=GOxiYUlQkgI

Не забудьте довоенную песню-вальс "Моя любимая" Блантера и Долматовского, ставшую популярной на фронте - своей лиричностью она напоминала бойцам о родном доме.

http://www.youtube.com/watch?v=sBmpuVtblVo

Не забудьте Дунаевского - "Школьный вальс" на стихи Матусовского, "Лунный вальс" на стихи Лебедева-Кумача, вальсы из кинофильмов и оперетт.

http://www.youtube.com/watch?v=Jqy8eQIC-04

http://www.youtube.com/watch?v=V9bQqFNeUEQ

А сколько вальсов было написано в годы войны - "В лесу прифронтовом" Блантера и Исаковского, "Заветный камень" Мокроусова и Жарова, "В землянке" Листова и Суркова.

http://www.youtube.com/watch?v=mmShPU_X0FQ

http://www.youtube.com/watch?v=iDS8CS14aOw

http://www.youtube.com/watch?v=sUd_lyEHcow

И до сих пор вальс - одна из любимых песенных форм, от эстрадной до детской песни. У того же Кабалевского есть вальсы - "Наш край" на стихи Пришельца, "Школьные годы" на стихи Долматовского.

http://www.youtube.com/watch?v=0WAqlO0vKwk

http://www.youtube.com/watch?v=CjVbZcxVgeE

А Колмановский и Евтушенко сочинили "Вальс о вальсе" - это специальная вальсообразная песня, которая подтверждает всеобщую любовь к вальсу.

http://www.youtube.com/watch?v=OJDiUzKNuME

Мы увидели, как часто песня объединяется с танцем и маршем, и как образуются своеобразные формы музыки - песня-танец и песня-марш.
А теперь все 3 "кита" соединяются в одно целое или дополняют друг друга внутри одного сочинения. Речь пойдет о произведениях более сложных.
И взрослые, и дети знают и любят симфоническую сказку Прокофьева "Петя и волк". Эту сказку композитор, любивший детей, написал для детского театра. Чтец читает ее небольшими отрывками, а оркестр изображает то, что рассказывается в сказке - как храбрый мальчик Петя поймал волка. В сказке также участвуют Петин дедушка, птичка, кошка, утка и охотники, у которых Петя перехватил добычу, хоть и был вооружен только веревкой, а охотники ружьями, из которых палили без толку.

http://www.youtube.com/watch?v=pz1QQ06-RGg

Эту сказку Прокофьев написал не только для того, чтобы доставить удовольствие слушателям, но и чтобы научить их узнавать разные инструменты оркестра.
Каждое действующее лицо имеет свой инструмент. Дедушка изображен низким духовым инструментом фаготом, который всё время как бы сердится. Кошку изображает духовой инструмент кларнет, звучащий выше фагота, отрывисто и вкрадчиво. Утка и птичка - еще более высокие гобой и флейта. Гобой покрякивает, флейта посвистывает. Волк - страшно звучащая валторна, а охотники - все духовые вместе, да еще барабан в придачу, когда охотники поднимают пальбу.
А Петю Прокофьев изобразил при помощи струнных инструментов - скрипки, альта, виолончели и контрабаса. Это одновременно и песня, как будто Петя что-то напевает, и танец, словно Петя подпрыгивает на ходу, и марш, так как походка Пети четкая и ритмичная. В конце сказки, когда ее участники ведут волка в зоопарк, звучит марш, который Прокофьев сделал из Петиной мелодии. Вот как в одном и том же образе встретились все 3 "кита".

Что об опере уже написано? Наша беседа часто приводила нас в область оперы. Заговаривали о песне - не могли пройти мимо оперы, заходила речь о танце - вспоминали оперу, возникал разговор о марше - не удавалось миновать оперу. Но главное в опере - пение. Она родилась в Италии от слияния певческого искусства с театральным.
Первые оперные представления поражали необычностью - актеры вместо того, чтобы разговаривать, вдруг запели. Критики стали смеяться над новым искусством, доказывать, что это не искусство, а сплошная нелепость.
Но все-таки опера победила, распространилась среди всех народов. Успех нового искусства объясняется тем, что в нем объединились театр, музыка, пение, танец и живопись. Каждый может найти в нем то, что любит, что доставляет радость и отвечает духовным запросам.
В опере слились в одно целое все 3 "кита", так что между ними стали стираться грани, и 1 без 2 и без 3 они не в состоянии существовать.
Возьмем, например, оперу Бизе "Кармен". Увертюра к этой опере построена на 2 маршах. Да и вся опера построена на песнях, маршах и танцах испанского происхождения.

http://www.youtube.com/watch?v=dLdpUdt7H6o

В конце увертюры, как только в последний раз отзвучала маршевая мелодия, после паузы начинается новая - тихая и печальная. Мелодия эта развивается вместе с развитием трагической судьбы Кармен.
Что это за мелодия? Это напев, который можно встретить в цыганских песнях - ведь Кармен цыганка.
Мелодия марша, прозвучавшего в увертюре, превращается в арию тореадора.

http://www.youtube.com/watch?v=VBcdruIpfMk

2 арии главной героини Бизе создал из испанских танцев сегидильи и хабанеры.

http://www.youtube.com/watch?v=cEJ999XTp6g

http://www.youtube.com/watch?v=022c25578fc

А предсмертная ария выросла из печальной песни, завершающей увертюру. Одна ария Хосе основана на песне, а другая на марше.

http://www.youtube.com/watch?v=DqFn-pF80Lw

Перечислять все песни, марши и танцы в "Кармен" - это значит перечислять все музыкальные номера оперы. Но послушайте эту оперу и обратите внимание на то, что она пронизана песенными, танцевальными и маршевыми ритмами. Надо обладать мастерством, чтобы опера оказалась произведением цельным и развивающимся, а не просто венком песен, танцев и маршей, как это иногда бывает в операх менее талантливых композиторов.
В операх, где нет ни песен, ни танцев, ни маршей (а это бывает редко), мы встретимся и с песенностью, и с танцевальностью, и с маршевостью. Песенность передает чувства задушевные, лирические и поэтичные, танцевальность помогает передать легкость, подвижность и игривость, а маршевость служит для передачи мужества, решительности и героизма.
Например, в опере Бородина "Князь Игорь" плач Ярославны звучит как песня, героическая ария князя в плену - как марш, а удалая ария Галицкого написана как пляска.

http://www.youtube.com/watch?v=U_fm1r72CqE

http://www.youtube.com/watch?v=ta_Xjt6WvRg

http://www.youtube.com/watch?v=nimDV1pC-sM

Хорошая музыка своим характером соответствует чувствам и мыслям, которые композитор хочет в этой музыке выразить. Старайтесь услышать и почувствовать ее характер - тогда музыка будет понятнее и интереснее.
Послушайте оперу Римского-Корсакова "Сказание о невидимом граде Китеже" и сравните характеры главных действующих лиц оперы.

http://www.youtube.com/watch?v=oT4fpJTPYmA

Феврония - воплощение доброты, любви к людям, к народу, к своей Родине. Пение Февронии проникнуто народной песенностью. Мы как бы слышим сплошную, бесконечно льющуюся песню.
И совсем другое дело - пьяница Гришка Кутерьма. Попав в плен к татарам, он стал предателем - показал врагу путь к Китежу. Непростыми красками воплотил его Римский-Корсаков. Музыка Гришки соткана из песни-плача и пьяной пляски. Поэтому мы и жалеем Гришку, и осуждаем его.
Когда Феврония встречается с Гришкой, мы слышим, что встретились 2 разных человека - в спор вступили добро и зло.
А вот опера Шостаковича "Катерина Измайлова" по рассказу Лескова.

http://www.youtube.com/watch?v=mSN35hs3PWA

Музыку Катерины композитор написал с сочувствием, рисуя ее как жертву диких нравов старой купеческой России. Поэтому образ Катерины звучит как лирическая песня, полная трагизма.
Наряду с этим, в опере много иронии и сатиры. Работники, прощаясь со своим хозяином, рады его отъезду и поют "зачем ты уезжаешь, хозяин" на мотив несерьезного вальса. Так композитор подчеркнул отношение работников к купцу, где не может быть любви. Свекор Катерины, вспоминая молодость, напевает мазурку. А городовых в участке Шостакович заставляет петь вальс со словами "наше жалованье скудно, брать же взятки очень трудно". Так танцевальность вошла в оперу, даже когда композитор не дал ни одной танцевальной сцены.
А теперь надо задать вопрос - откуда возникает в музыке то, в чем нет ни песенности, ни танцевальности, ни маршевости? Что лежит в основе такой музыки? Как она связана с 3 "китами"? Нет ли такого важного, без чего этих "китов" было бы недостаточно, чтобы музыка могла существовать, развиваться, рождать богатые и сложные формы?
Оказывается, какую бы большую роль ни играли в музыке песня, танец и марш - ими музыка еще не ограничивается. Так же, как дом держится на фундаменте, но не только из фундамента состоит. Фундамент связывает дом с почвой, на которой он держится. А песня, танец и марш связывают музыку с народными массами. Но не только из них состоит это здание.

Приходилось ли вам слышать, как человек рассказывает быстро, без остановок, без знаков препинания, ни повышений, ни понижений - не поймешь, где слова главные, а где второстепенные, где веселое, а где грустное, всё подряд. Бубнит, а понять нельзя.
Попробуйте прочитать вслух как можно быстрее вот такое: "только еще 1 раз сказал сверху женский голос который узнал князь Андрей а когда же ты спать будешь отвечал другой голос я не буду не могу спать что же мне делать ну последний раз 2 женских голоса запели какую-то музыкальную фразу составляющую конец чего-то ах какая прелесть ну теперь спать и конец ты спи а я не могу отвечал первый голос приблизившийся к окну она совсем высунулась в окно так как было слышно шуршание ее платья и даже дыхание всё затихло и окаменело как луна ее свет и тени князь Андрей тоже боялся пошевелиться чтобы не выдать своего невольного присутствия Соня Соня".
Если бы вам удалось прочитать это вслух на одном дыхании, ни вы, ни ваши слушатели ничего бы не поняли и решили бы, что это какая-то ерунда.
На самом деле, это не ерунда, а отрывок из "Войны и мира" Толстого, сцена в Отрадном, когда князь Андрей слышит из окна голоса Наташи и Сони:
"Только еще 1 раз", - сказал сверху женский голос, который узнал князь Андрей. "А когда же ты спать будешь?" - отвечал другой голос. "Я не буду, не могу спать, что же мне делать? Ну, последний раз!" - 2 женских голоса запели какую-то музыкальную фразу, составляющую конец чего-то. - "Ах, какая прелесть!" "Ну, теперь спать, и конец". "Ты спи, а я не могу", - отвечал первый голос, приблизившийся к окну. Она совсем высунулась в окно, так как было слышно шуршание ее платья и даже дыхание. Всё затихло и окаменело, как луна, ее свет и тени. Князь Андрей тоже боялся пошевелиться, чтобы не выдать своего невольного присутствия. "Соня, Соня!"
Буквы остались те же, слова те же, но появились знаки препинания и паузы. Одни слова сильнее, другие слабее, одни быстрее, другие медленнее. Появилась интонация, и бессмысленный набор слов превратился в обычную человеческую речь.
С интонацией вы хорошо знакомы - с детских лет усвоили вопросительную, утвердительную, требовательную, отрицательную, мечтательную, деловитую, научились делать слово добрым, сердитым, робким, решительным, меняя высоту и окраску звука, изображать большого медведя и маленькую птицу. Размышления вы передаете медленно и спокойно, а тревожные, взволнованные чувства - быстро и возбужденно. В каждой фразе вы выделяете важные слова, а второстепенные, вспомогательные делаете менее заметными.
Вы слышали историю о том, как осужденный на казнь подал королю прошение о помиловании, и король сделал надпись "казнить нельзя помиловать". Как следует читать его решение - "казнить, нельзя помиловать" или "казнить нельзя, помиловать"? Вот что такое интонация.

Интонация роднит речь с музыкой. Она лежит в основе стремления речи и пения идти навстречу друг другу. Прислушайтесь к голосам актеров театра или кино - вы услышите, что их речь звучит музыкально, в ней много повышений, понижений, усилений, ослаблений, выразительные паузы и акценты, выделены важные по смыслу слова. Такая речь может перейти в мелодию.
Интонационно богатой с давних пор была живая народная речь. Сказитель незаметно переходит от разговора к пению. Выкрики уличных продавцов, старьевщиков, мелких ремесленников часто превращаются в маленькие мелодии - музыкальная речь не только красива, но и выразительна, убедительна и понятна.
Режиссер Немирович-Данченко говорил ученикам: "Если во фразе больше 1 логического ударения, вся фраза становится непонятной".
Прислушайтесь, как звучит ваш голос, когда вы читаете вслух или рассказываете дома или на каком-нибудь вечере. Всё ли у вас убедительно, выразительно и понятно? Не получается ли так, как у короля, который забыл запятую поставить, или как у Дмитрия Самозванца в "Борисе Годунове", который вместо того, чтобы сказать: "Довольно. Стыдно мне перед гордой полячкой унижаться", - сказал: "Довольно стыдно мне перед гордой полячкой унижаться"?
А теперь прислушайтесь к песням, которые сами поете, и которые звучат вокруг вас. В песнях повышение и понижение звуков мелодии происходят на тех же словах, которые мы при чтении повысили и понизили, а самый высокий и сильный звук мелодии, который называется вершиной или кульминацией, приходится на слово, которое при чтении мы выделили, сделали на нем логическое ударение, да и паузы в мелодии приходятся в тех же местах, где мы сделали перерывы при чтении.
Вы заметите, что мелодия песни стремится интонационно приблизиться к человеческой речи. А если бы в мелодии всё было не так, как при чтении стихов, вы бы сказали, что мелодия неестественная, невыразительная, некрасивая, и почувствовали бы, что мелодия вместо того, чтобы идти навстречу речи, уходит от нее.
Русские композиторы 19 века проявляли стремление сблизить музыку с человеческой речью. Например, Мусоргский говорил: "Музыка должна быть художественным воспроизведением человеческой речи, то есть звуки речи должны сделаться музыкой правдивой, точной и художественной. Вот идеал, к которому надо стремиться".

Если бы не было стремления речи к музыке и музыки к речи, той внутренней связи - поскольку и музыка, и речь рождены мыслями и чувствами человека и служат для общения людей - не могли бы появиться ни песня, ни романс, ни хор, ни кантата, ни оратория, ни опера, ни другие произведения, где речь и музыка существуют на равных. А такие произведения создавались в давние времена и создаются в наши дни.
Послушайте "Пер Гюнта" - драматическую пьесу Ибсена с поэтичной музыкой Грига. При исполнении этого произведения чтецы выступают на равных с певцами. Оркестр сопровождает и тех, и других, играя музыку, передающую картины природы ("Утро в горах"), трагические события ("Смерть матери"), танцевальные сцены ("Танец Анитры"), фантастику ("В пещере горного короля").

http://www.youtube.com/watch?v=sv5Wgq8n5Fc

Такое сочетание чтения, пения и симфонической музыки мы знаем в "Эгмонте", где героическая музыка Бетховена связана с драматической поэзией Гете.

http://www.youtube.com/watch?v=X2sxLv18bM8

В таком же стиле написан и "Манфред", сочетающий романтическую поэму Байрона с музыкой Шумана.

http://www.youtube.com/watch?v=w5jOAA-kXU0

Такое же соединение речи с музыкой и чтения с пением мы встретим и в произведениях русских композиторов. Послушайте, например, ораторию Прокофьева и Маршака "На страже мира" или патетическую ораторию Свиридова и Маяковского. Симфоническая сказка Прокофьева "Петя и волк" тоже относится к таким сочинениям.

http://www.youtube.com/watch?v=RIElyVBBy68

http://www.youtube.com/watch?v=EoGBoQXhvUo

http://www.youtube.com/watch?v=pz1QQ06-RGg

Оперетта находится в таком близком родстве с оперой, что в одном и том же театре ставят спектакли и оперные, и опереточные. Веселое искусство оперетты объединяет 2 театра - оперный и драматический. Перед артистами оперетты стоит нелегкая задача - переходить от речи к пению и от пения к речи, чтобы эти переходы были естественными. Не каждому артисту удается петь, как говорить, и говорить, как петь.
Иногда разговорный текст появляется и в опере. Это речитативы - связки между ариями и хорами, в которых происходят объяснения персонажей, не вмещающиеся в арии. Речитативы поются так, что их музыка находится на полпути между пением и речью - то есть говорком.
Музыка сближается с речью не только в речитативах, но и в ариях, в отдельных сценах и в целых операх. Например, оперы "Каменный гость" Даргомыжского, "Моцарт и Сальери" Римского-Корсакова, "Женитьба" Мусоргского написаны в речитативном характере.

http://www.youtube.com/watch?v=_90gMy-JRDQ

http://www.youtube.com/watch?v=BurP7IWO5XQ

Произносимый, а не поющийся текст в опере встречается не только в речитативах, но и в других местах - если для этого есть особые причины.
Чайковский в "Пиковой даме" воспользовался этим приемом в важной сцене, где происходит перелом в развитии сюжета.
В центре оперы трагическая любовь бедного офицера Германа и Лизы, воспитанницы богатой графини. Герман без денег не может и мечтать о руке Лизы - вся надежда на тайну 3 карт, которую знает графиня. Но старуха умерла, увидев Германа.
И вдруг записка от Лизы: "Я не верю, что ты хотел смерти графини. Успокой меня. Если до полуночи ты не придешь, я должна буду допустить страшную мысль, которую гоню от себя. Прости, но я страдаю". Герман читает, а не поет эти слова.
Записка от Лизы принесла надежду на любовь, но графиня унесла в могилу тайну 3 карт. Разум Германа мутится. Хлопнула дверь, в комнату вместе с ветром врывается призрак графини: "Спаси Лизу, женись на ней, и 3 карты выиграют. Запомни: тройка, семерка, туз". Эти слова призрак поет на одной ноте - что-то среднее между пением и говором. А когда Герман повторяет "тройка, семерка, туз", это уже не говор и не пение, а едва различимый шепот.
Вторжением в оперу простой речи и приравниванием речи к пению Чайковский выделил важные точки в опере, после которых события приводят историю любви к трагической развязке - Герман сходит с ума, так ничего и не выиграв на 3 картах, а Лиза, поняв это, бросается с обрыва.

http://www.youtube.com/watch?v=16I8grKxD5w

По-другому вводил речь в свои оперы Прокофьев. Например, его опера "Повесть о настоящем человеке", написанная по книге Полевого, певучая - в ней много и русских народных песен, и написанных самим Прокофьевым, и арий, и хоров, и мелодичных речитативов.
Но 2 действующих лица не поют, а только разговаривают. Это дети. Изображать на сцене детей взрослые не могут, а маленькие артисты могут, но с пением у них ничего не получится - детские голоса, по сравнению с оперными, звучат слишком слабо и неестественно.
Летчик Мересьев уже несколько дней ползет с перебитыми ногами, изнемогая от голода и жажды, питаясь еловой корой - и вдруг чувствует движение в кустах. "Друг или враг? Зверь или человек?" - тихо поет Мересьев. А в кустах шепот: "Не человек вовсе", - дети, наученные войной, проявляют бдительность. Услышал их голоса Мересьев и обрадовался: "По-русски говорят". А в ответ из кустов детские голоса: "Кто ты и что тут делаешь?" "А вы кто?" - поет Мересьев, собираясь с силами. И опять голоса из засады: "Нас не обманешь. Мы немца за 5 верст по духу узнаем".
Это живая, трогательная, волнующая и правдивая сцена. Прокофьев нашел возможность воплотить ее в опере - сочетать пение с речью.

Железная дорога в России была впервые построена при жизни Глинки. Первый поезд проходил всего 30 км - от Петербурга до Царского села. Но это событие вызвало энтузиазм и волнение во всех кругах общества. Не остался безучастным и композитор, заинтересованный жизнью народа. Глинка создал "Попутную песню" на стихи Кукольника. Вы хорошо знаете эту песню - ее поют и солисты, и хоры.

http://www.youtube.com/watch?v=7dfwyeQ3OmU

В этой песне слышны 2 разные мелодии. Первая выражает взволнованность толпы, обступившей рельсы, по которым должен пройти поезд. Музыка звучит, как скороговорка, передавая речь, а не пение толпы. А вторая широкая и раздольная, как песня. В этой мелодии звучит ширь русской природы, ее поля, луга, леса и открытая душа народа.
Глинка сопровождает обе мелодии - и песню, и скороговорку - непрерывным фортепьянным аккомпанементом, напоминающим стук колес поезда. "Попутная песня" - это пример того, как в одном произведении слились песня, речь и движение.
А вот песня Прокофьева и Барто "Болтунья".

http://www.youtube.com/watch?v=c8_PiSunggM

Лида болтает с утра до вечера, но боится в этом признаться, а может быть, и не замечает своей болтливости. Но никто и ничто остановить ее не может.
Эти остроумные и смешные стихи с музыкой Прокофьева стали еще смешнее и остроумнее. Припев "что болтунья Лида, мол, это Вовка выдумал" поется на медленную песенную мелодию, как будто Лида не болтунья - но потом, как вода из прорванной плотины, нас заливает музыкальная болтовня. Так человеческая речь опять вторглась в музыку и объединилась с песней.

А это сочинение не похоже ни на "Попутную песню", ни на "Болтунью". Оно вообще не связано с литературным текстом - это не песня, не опера и не романс, а симфоническое произведение французского композитора Берлиоза.

http://www.youtube.com/watch?v=98BAg1GSP7U

Берлиоз посвящал свои произведения революционным событиям. Например, он написал реквием, посвященный памяти жертв французской революции, обработал "Марсельезу" для хора и оркестра. Поэтому Берлиозу, как революционеру, заказали музыку для перенесения останков жертв революции в мавзолей.
Берлиоз принял заказ и описал свой замысел так: "Я хочу сначала напомнить о боях в скорбном звучании марша, исполняемого на пути траурного шествия, затем в момент опускания останков в гробницу дать услышать надгробное слово, обращенное к мертвым, и, наконец, запеть гимн-апофеоз после того, как перед глазами народа останется только фигура с распростертыми крыльями, словно души тех, кто умер за свободу".
Траурно-триумфальная симфония состоит из 3 частей: 1 - траурный марш, 3 - гимн, то есть торжественная песня, а средняя часть - музыка, призванная передать человеческую речь.
Берлиоз решил эту трудную задачу. Низкий духовой инструмент-баритон, который иногда заменяют тромбоном, звучит так, словно мы слышим мужественную и скорбную речь. Там нет слов, но есть интонация, которая делает музыку понятной и без слов. Она дышит благородством, в ней есть величие, мы слышим в ней отзвуки победы и горечь утраты. Изредка, давая оратору передышки, чтобы собраться с мыслями, звучат аккорды оркестра, напоминающего ряд войск в почетном карауле.
Вот какую важную роль играет в музыке человеческая речь с разными интонациями, и как эта роль проявляется в разных произведениях.

Как вы уже знаете, фортепьянное сопровождение в "Попутной песне" Глинки изображает стук колес поезда, аккорды оркестра в симфонии Берлиоза напоминают ряд войск, а в траурном марше Шопена слышатся удары колокола и тяжелые шаги.
Музыка - искусство звуков, поэтому она может изображать многие звуки и шумы в окружающей нас природе - раскаты грома, пение птиц, завывание ветра, колокольный звон, жужжание шмеля, шелест леса, журчание ручья, шаги человека, топот конницы, рокот волн, писк цыплят, крик петуха, стук колес, гудение самолета, колотушку сторожа, звон будильника, лай собаки и так далее.
Хитроумно используя разные инструменты, а иногда изобретая новые, композиторы воспроизводят натуральные звуки так, что слушатель догадывается, о чем идет речь.
Например, если в сцене гуляния в "Пиковой даме" мы не разберем слов о приближении грозы, то всё равно услышим в оркестре раскаты грома.

http://www.youtube.com/watch?v=16I8grKxD5w

При исполнении симфонической картины Римского-Корсакова "Шехерезада" мы в звучании оркестра услышим рокот морских волн.

http://www.youtube.com/watch?v=-Q5qEqDapyY

Если нам сыграют подряд фортепьянные пьесы Мусоргского "Балет невылупившихся птенцов" и "Б*дло", а раньше мы их не слышали, то мы всё равно их не спутаем. В одной услышим высокие, суетливые, колючие звуки, передающие хруст скорлупы и писк желторотых птенцов. А в другой будут слышны тяжелые медленные звуки - человек так шагать не может, это волы шагают.

http://www.youtube.com/watch?v=nOc7-_o_Pq0

http://www.youtube.com/watch?v=K60nbjulc8g

Но сами звуки, похожие на природу, не являются главным в музыке, а только дополнительной краской, способной уточнить замысел композитора, сделать его понятным для слушателей.
Главными в музыке остаются мысли и чувства человека, его отношение к окружающему миру. В "Пиковой даме" - тревога Лизы и Германа. В "Шехерезаде" - взволнованность Шахрияра. В "Балете невылупившихся птенцов" - улыбка человека, смотрящего на забавную сценку. В "Б*дле" - сочувствие к усталому погонщику.
6 симфония Бетховена называется Пасторальной, то есть деревенской.

http://www.youtube.com/watch?v=nSlc-Mc7n5U

Ее части называются "Радостное чувство от прибытия в деревню", "Сцена у ручья", "Веселое собрание поселян", "Гроза" и "Песня пастухов после грозы". В музыке этой симфонии мы слышим пение птиц, журчание ручья, раскаты грозы. Но замысел Бетховена заключался не в том, чтобы воспроизвести звуки природы, а в том, чтобы выразить свое восхищение красотой природы и передать его слушателям.
Даже если мы не знаем названия частей, это не помешает нам воспринимать музыку - мы услышим песенные и танцевальные мотивы, звуки природы, которые подскажут: вот лесные птицы, вот ручей, вот гроза. И каждый ощутит чувство восприятия природы, которое владело Бетховеном при сочинении Пасторальной симфонии. Своей музыкой он заставляет нас пережить это чувство даже вдалеке от природы.

Возможно, вы знаете эту песню Книппера и Гусева. Но мало кто знает, что эта песня - эпизод симфонии Книппера, которая называется "Поэма о бойце-комсомольце". "Полюшко-поле" звучит не только при исполнении всей симфонии, но и в виде самостоятельной песни в исполнении солистов и хоров.

http://www.youtube.com/watch?v=G099l5IWCn0

Дирижер поднимает руки. В зале тишина. Еле слышно, как будто издалека, доносится звук копыт. В хоре тихо звучит: "Полюшко-поле, полюшко, широко поле, едут да пО полю герои, эх да Красной армии герои". С каждым новым куплетом песня приближается - громче голоса, четче цоканье копыт. Наконец, звучание достигает своей вершины и постепенно начинает стихать - с каждым куплетом песня уходит всё дальше и дальше, пока не остается, как вначале, одно цоканье копыт. Но вот исчезают и эти звуки. Несколько секунд продолжается молчание зала, а потом слушатели аплодируют.
Можно ли отделить песню от изобразительной детали - цокающих копыт? Песню, конечно, можно петь без цоканья, а попробуйте поцокать без песни - глупее и не придумать. Но добавленная к песне, эта деталь создает иллюзию, будто конный отряд приблизился к нам, пронесся мимо и исчез, оставив в нашей памяти прекрасную задушевную песню.

В исполнении на разных инструментах вам приходилось слышать "Полет шмеля" Римского-Корсакова - в оперном театре для голоса, как эпизод оперы "Сказка о царе Салтане", в симфонических концертах оркестром без голоса, на фортепьяно в переложении Рахманинова, в ансамбле скрипачей и в исполнении скрипачей-солистов, на кларнете, на флейте, на баяне, на трубе и на ксилофоне.

http://www.youtube.com/watch?v=HoKlvyJh10I

Не так уж много музыкальных пьес пользуются популярностью у слушателей и исполнителей, как этот "шмель". В чем же секрет этой популярности? Казалось бы, просто забавный пустячок - композитор изобразил жужжание шмеля. И мелодии там никакой нет - одни гаммы вверх и вниз бегают.
Но давайте вспомним, в каком эпизоде оперы появляется этот шмель, и что композитор хотел выразить. Когда Гвидон с матерью оказался на необитаемом острове, одолела его тоска по отцу. Сжалилась над ним царевна-лебедь, превратила в шмеля и велела лететь вслед за кораблем - "мимо острова Буяна, в царство славного Салтана".
Полетел счастливый царевич-шмель на родную землю, и зазвучало в музыке этого полета столько радости, счастливых надежд, свободной устремленности, что остаться равнодушным слушателем невозможно. Изобразив шмеля, Римский-Корсаков выразил в музыке человеческие чувства. Стремительное движение мелодии мы воспринимаем через ее человечность. Вот в чем секрет знаменитого "шмеля".

Все упомянутые звуки и шумы - журчание ручья, пение птиц, раскаты грома, цокот копыт, жужжание шмеля - мы можем поместить в список природных звуков.
А как быть с такими произведениями, как "Ночь", "Восход солнца", "Баба-яга", "Упрямец"? Композитор, называя так свое сочинение, надеется, что мы услышим то, что он хотел изобразить. А может ли музыка изобразить это так, как художник на холсте или писатель словами?
С именем Бетховена связывается представление о музыке мыслей и чувств. Но Бетховен создал и забавное юмористическое сочинение для фортепьяно под названием "Бешенство по поводу утерянного гроша".

http://www.youtube.com/watch?v=vV66v-YnQR0

Сперва музыка звучит весело и спокойно - человек радуется, что у него есть грош. А потом что-то нарушилось в ровном течении музыки - грош исчез. Мелодия звучит растерянно, плаксиво, злобно. Вот наступают паузы усталости, потом снова прорывается энергия. И, наконец, 2 громких радостных аккорда - грош нашелся.
Всё в этой пьесе выражено через мысли и чувства человека, его поступки. И не одно состояние человека выражено, а разные - чередование и развитие. Поведение человека меняется. Мы всё время ощущаем движение - человек бегает, суетится, отдыхает, снова бегает.
Именно движение и развитие музыка изображает лучше всего. В этом и заключается ее сила и секрет воздействия на слушателей, которых она увлекает за собой потоком движения.
Глинка в "Попутной песне" изобразил движение поезда. А мог бы он изобразить поезд, стоящий на месте? Убрать фортепьянное сопровождение можно - но исчезнет и поезд.
В песне Книппера "Полюшко-поле" передано движение отряда. А как изобразить отряд, стоящий на месте? Нетрудно убрать цокот копыт - но тут же исчезнет и отряд.
А теперь сравним эти песни - у Глинки движется поезд, а у Книппера движутся кони. Музыка может изобразить не только движение вообще, но и заставляет нас услышать то, что движется - поезд и коней. Это значит, что они изображены в музыке. Композитор может сделать так, что услышав в музыке движение, мы понимаем, кто или что движется.
Лучше всего музыка изображает и выражает движение человеческих мыслей и чувств. Художник может изобразить человека радостного или печального - но изобразить, как печальный человек забывает о своем горе и успокаивается, художник не может. А композитор может в одном произведении воплотить разные переходы - от слез к смеху, от гнева к радости, от покоя к деятельности.
В живописи всё по-другому. Художник может нарисовать человека, предмет - всё, что в состоянии увидеть или представить в воображении. Но на картине ничего не меняется и не движется.
А можно ли сказать, что изображение на картине кажется неподвижным? Бурлаки не сдвинулись с того дня, когда Репин закончил картину - а мы говорим "идут и тянут баржу".



Тачанки много лет стоят в степи, где нарисовал их Греков - а мы говорим "несутся".



И 9 вал у Айвазовского неподвижно висит над обреченными - а мы говорим "волна обрушивается на людей, потерпевших кораблекрушение".



Это и есть чудеса искусства - воспринимать неподвижность как живое движение. Так что нет повода для спора между музыкой и живописью - в таком споре не может быть ни победителя, ни побежденного.

У Свиридова есть фортепьянная пьеса под названием "Упрямец".

http://www.youtube.com/watch?v=H-TngpOu23o

Как композитор изобразил своего необычного героя? Очень просто, зато остроумно. Несколько раз начинается спокойная мелодия, но ее прерывает короткий сердитый мотив, построенный всего на 2 звуках. Получается спор 2 людей. Один пытается что-то рассказать, а другой упрямо повторяет одно и то же.
Вот как наглядно решил композитор свою непростую задачу. Упрямец показан в движении - в споре с другим собеседником.
А у Мусоргского есть произведение "Картинки с выставки". В пьесах, из которых состоит это произведение, он выразил впечатление от картин художника Гартмана и изобразил музыкой содержание этих картин. О "Балете невылупившихся птенцов" и "Б*дле" речь уже шла. А теперь - "Баба-яга".

http://www.youtube.com/watch?v=66fQ66jprio

Необычная музыка этой пьесы, полное название которой "Избушка на курьих ножках, или Баба-яга". Ни одного естественного звука - то повизгивание на высоких нотах, то бурчание в басах. Музыка стремительно несется, потом останавливается, топчется на месте, движется вприпрыжку, хромает, летит куда-то, злится, бранится. Баба-яга выглядывает из этой музыки, словно нарисованная на картинке.

А можно ли нарисовать музыкой ночь или восход солнца? Ночь - это темнота, тишина, покой, а рассвет - это движение от темноты к свету, от тишины к звуку, от покоя к деятельности.
Мы знаем, что музыка бывает тише и громче, медленнее и быстрее, спокойнее и энергичнее - а может ли она быть светлее и темнее?
Конечно, может. Но свет и тьма в музыке другие, чем в живописи. Это светлые и темные, яркие и тусклые звуки, просветление и затемнение - и всё, что подскажет композитору воображение, талант и мастерство.
Есть у Прокофьева сочинение для оркестра - Скифская сюита.

http://www.youtube.com/watch?v=7TnG8-wOqwA

В этой сюите композитор выразил свое представление о том, какими были наши предки-скифы, населявшие донские и уральские степи.
Прокофьев создал музыку красочную, полную сильных, могучих, диких звучаний - такими мы и представляем себе скифов. Есть в этом сочинении картины природы - ночь и восход солнца.
Ночь полна шорохов, тихих, приглушенных звуков. Часть инструментов оркестра играет в верхнем регистре - это звезды в небе, а часть в нижнем - это тени на земле. Мелодии сливаются друг с другом, как контуры предметов. А потом в ночную картину вторгается шумное событие - набег врага, нападение зверей или ссора. Но это внезапно возникло и смолкло - снова шорохи и тени.
А вот восход солнца. Музыка поднимается выше, больше инструментов включается в общее звучание, музыканты играют громче - оркестр звучит ослепительно.
Когда достигнута предельная сила, когда духовые инструменты играют высокие звуки - Прокофьев вводит в действие тарелки, тамбурин и гонг. Появление звенящих и гудящих звуков, сливающихся со звучанием высоких пронзительных труб, производит оглушительное впечатление, напоминающее горячие лучи солнца в зените.
Такого ослепительного звучания музыка раньше не знала. Это было необычно и даже казалось дерзким. Профессор консерватории Глазунов, учитель Прокофьева, не выдержал палящих лучей, исторгаемых музыкой молодого композитора. Возмущенный, бормоча нелестные слова по адресу Прокофьева, он покинул концертный зал. Это был единственный в истории случай солнечного удара без солнца.

Внимательно всматриваясь в картину, мы замечаем, что при всей своей неподвижности она как будто полна движения. Это и есть основное отличие живописи от фотографии. Только в редких случаях, которые дают возможность называть фотографию искусством, снимок не кажется мертвым - в нем чувствуется движение. И все-таки про плохую живопись, в которой мы не ощущаем движения, говорят, что это не живопись, а фотография.
А теперь всмотримся в живопись еще пристальнее. На картине Грекова тачанки несутся по степи, как вихрь. А вот другая картина того же художника - "Трубачи 1 конной армии". Мы видим ту же степь и тех же коней - только они не несутся, а движутся неторопливо.



Мало всмотреться в эту картину - надо еще и вслушаться в нее. В отличие от "Тачанки", здесь всё дышит спокойствием, но похоже ли это спокойствие на тишину?
Раздуваются щеки у левого трубача - надо вдуть воздух в большой инструмент бас-геликон, который вылезает из-за спины музыканта, чтобы из раструба раздавались звуки. А рядом баритон - инструмент поменьше, но тоже способный издавать могучие звуки. Берлиоз поручил ему произнести надгробное слово в Траурно-триумфальной симфонии.
Интересно, что художник нарисовал эти большие громкие инструменты впереди, хотя обычно они находятся сзади, а впереди располагаются маленькие и яркие по звучности трубы.
Но нельзя допустить мысль, что Греков не видел духового оркестра и не знал, как он строится. Он хотел изобразить не точную фотографию военного оркестра - это было бы неинтересно. Он хотел воплотить на живописном полотне образ могучей 1 конной армии, созданной Буденным.
Мы не только видим, как движется по степи конный отряд, но и слышим звучащую с полотна картины музыку, которую играют трубачи. Звуки этой музыки рождаются и затихают, теряясь в бескрайних просторах степи.
Прислушайтесь - и услышите мелодию марша Буденного, написанного Покрассом и Дактилем, или другую музыку той поры.

http://www.youtube.com/watch?v=QcAhE-0YD8s

Но никто и никогда не назовет эту картину безмолвной.

Картина Грекова звучит, поскольку на ней изображены музыканты. Услышать эту картину нетрудно тем, у кого есть внутренний слух, фантазия и воображение. Но звучат в живописи не только музыкальные картины.
Например, "9 вал" Айвазовского никогда не покажется беззвучной картиной - мы в ней услышим грозную бурю, грохот волн, рев ветра, скрежет разламывающейся мачты. Величественная трагическая музыка звучит с полотна этой картины.
Конечно, рокот бушующего моря - еще не музыка, но это много раз изображалось в музыке, становясь опорой для музыкальных сочинений.

Живопись бывает такой музыкальной, что мы слышим скрытую в ней музыку, даже когда на полотне не видно ни бушующих сил природы, ни играющих музыкантов. Музыкальность живописи проявляется чаще всего в пейзажах - картинах, изображающих природу.
Например, русскую природу воспевали и поэты, и писатели, и композиторы, и художники. В стихах, прозе, музыке и живописи мы встречаем березы, ели, поля, леса, реки, озера. Природа вошла в искусство, как и в жизнь. Без природы искусство задохнулось бы, как задыхаемся и мы, будучи оторванными от природы.
Для поэта, композитора, художника нет природы без человека. В народном искусстве картины природы связаны с мыслями и чувствами человека в единый музыкально-поэтический образ: "Много звездочек на небе, но 1 яснее всех. Много девушек на свете, но 1 милее всех".
Народные поэты и композиторы не только видели, но и слышали природу - поэтому и в песню часто вводили ее. Точно так же слышали русскую природу и художники. Поэтому музыку, которая ярко передает впечатления композитора от картин природы, мы называем живописной, а живопись, наполненную поэтичной мелодией - музыкальной.
Таким музыкальным художником, постигшим красоту русской природы, сумевшим передать в картинах песенность, был пейзажист Левитан. Учитель Левитана, Саврасов, известный своей картиной "Грачи прилетели" - первый русский художник, ощутивший музыкальность родной природы.



Прославленный учитель говорил талантливому ученику, помогая ему вникнуть в богатство и красоту природы: "Слушай жаворонка. Писать надо так, чтобы слышно было, как поют птицы, дуют ветры, звенят ручьи". Слова эти пали на благодатную почву. Левитан развил в себе такой дар - всё, что рождалось на холсте под его кистью, начинало звучать и петь.
Присмотримся к его картинам и вслушаемся в них. Вот "Вечерний звон" - название говорит о том, что Левитан не только видел этот поэтичный пейзаж, но и слышал его.



Всё на этой картине погружено в тишину - безмолвные и река, и лес, и лодка у берега. Спокойствие и тишину вносят в эту картину и лучи заходящего солнца.
Но эта тишина только кажущаяся. За деревьями видны купола церкви. Художник заставляет нас услышать, как в сумерках плывут звуки колокола. Только в тишине пейзажа мы можем услышать эти звуки.
Теперь посмотрите на другую картину Левитана - "Владимирку".



К далекому горизонту тянется дорога, утоптанная тысячами арестантов, совершавших по ней свой путь на каторгу. Но по этой дороге шли не только убийцы и грабители. Шли по ней люди с чистой совестью и добрым сердцем - борцы за счастье и свободу народа, смелые революционеры.
Когда стоишь перед этой трагической картиной, внутренним слухом улавливаешь суровую, мужественную и печальную мелодию: "Динь-бом, слышен звон кандальный. Динь-бом, путь сибирский дальний. Динь-бом, слышно там и тут - нашего товарища на каторгу ведут". Столько раз звучали эти песни над старой Владимиркой, что даже поля по обе стороны дороги и тучи над ней как бы повторяют их. Звуки песни одухотворяют этот мрачный пейзаж.
А вот еще 1 картина Левитана - "Весна, большая вода".



"Вечерний звон" и "Владимирка" - пейзажи безмолвные, а "Большая вода" не очень громко, но радостно поет о весне - поют и березы, и сосна, и ель, и вода, и облака.
Эту песенность Левитановского пейзажа подметил Алпатов: "Тонкие, как свечи, стройные березы воспеваются в русских песнях. Отражение берез в воде составляет их отголосок, мелодическое эхо: они растворяются в воде своими корнями, их розовые ветки сливаются с голубизной неба, контуры берез звучат подобно свирели. Из этого хора вырываются отдельные сильные голоса - высокий ствол сосны и густая зелень ели". Можно подумать, что Алпатов рассказывает не о картине, а о лирической песне, расцвеченной красками хорового многоголосья.
Описывая картину Левитана, критик пользовался музыкальными терминами "отголосок", "мелодическое эхо", "свирель", "голоса хора" - а лирическая песня "расцвечена красками". Это естественно - о том, что их роднит, говорили и художники, и композиторы.
"Прогулка по России в деревне, по полям, по степи приводила меня в состояние любви к природе, сладких ощущений, которые навевали на меня лес, степь, река, деревья вдали - словом, всё, что составляет родимый русский пейзаж", - эти слова принадлежат музыкальному пейзажисту Чайковскому.
А вот слова Репина: "Я любил музыку. Если мне не приходилось слушать ее, я тосковал", - музыка оказывала сильное воздействие на его живописное творчество.
Так и в жизни, и в творчестве музыка постоянно сливается с живописью.

А можно ли извлечь из баяна, фортепьяно или оркестра красный аккорд, зеленую мелодию или черный ритм? Конечно, нет - никто и никогда еще не видел звуков, выкрашенных каким-нибудь цветом.
Но малоизвестный английский композитор Блисс сочинил "цветную" симфонию, состоящую из пурпурной, красной, голубой и зеленой частей.

http://www.youtube.com/watch?v=TkrFB-huyNM

Так что нельзя просто посмеяться над красным аккордом или зеленой мелодией, не разбираясь в этом интересном вопросе. А интересен он тем, что занимал внимание таких чудаков-музыкантов, как Римский-Корсаков и Скрябин - этим композиторам звучащая музыка представлялась окрашенной в тот или иной цвет.
Скрябин даже пытался осуществить свою мечту о цветомузыке в симфонической поэме "Прометей, или Поэма огня".

http://www.youtube.com/watch?v=OKLqYuRgKss

В этом сочинении Скрябин хотел передать содержание греческого мифа о том, как Прометей подарил людям огонь, знания и счастье, за что был прикован к скале, и орел каждый день терзал его печень - пока Геракл не освободил Прометея от страданий.
Музыка Скрябина на протяжении всей поэмы разрастается, как огонь - от неясного мерцания до яркого пламени. На первой странице Скрябин сделал пометку "туманно", а на последней - "с блеском". Музыку он создал пламенную, увлекающую слушателей своим постепенным нарастанием.
А соединить ее со светом Скрябину не удалось - не было такой аппаратуры, которая могла бы заливать концертный зал тем или иным цветом, да и сливаясь друг с другом, разные цвета образуют новые краски.
В наши дни инженеры и музыканты попытались довести замысел Скрябина до конца, но это не привело к удаче - если Скрябину те или иные звучности представлялись окрашенными, то другим слушателям связи музыки с цветом просто мешали слушать прекрасную безо всяких световых эффектов музыку "Прометея".
Дело в том, что музыка не нуждается для восприятия в световом сопровождении, как живопись в музыкальном - музыку надо слушать, а живопись надо смотреть.
Но есть обстоятельства, при которых музыка и живопись существуют вместе - это музыкальный театр, где ставятся оперы и балеты. Там надо заботиться, чтобы всё, что сидящие в зале люди увидят и услышат в спектакле, было согласовано между собой. Эта согласованность должна начинаться еще до того, как поднимется занавес, отделяющий сцену от зрительного зала.
Например, оркестр заиграл веселую музыку марша, с которого начинается опера "Кармен".

http://www.youtube.com/watch?v=PWW96G1BWaY

Безразлично ли для того, как мы воспримем эту музыку, то, какого цвета будет занавес? Конечно, нет.
Но прежде, чем вы скажете, какие здесь цвета, надо вспомнить, что увертюра к опере, а тем более и вся опера, состоит не только из веселых маршей. В конце увертюры появится печальный мотив, который предупреждает о смерти главной героини в финале.
А теперь попробуйте сказать, какие краски помогают музыке увертюры настроить нас так, чтобы мы верно восприняли всю оперу. Большинство назовет вот такие цвета:
красный (цвет радостный, праздничный), оранжевый (цвет огня, страстей) и черный (цвет смерти, траура).
Каждый из этих цветов отражает какую-нибудь сторону содержания оперы, а все вместе они дают возможность понять и почувствовать события, которые пройдут перед нами на сцене.
Но никто из вас не назовет этих цветов, если надо окрасить занавес, когда оркестр начнет играть нежную, лирическую музыку, с которой Чайковский начал свою любимую оперу "Евгений Онегин". Он назвал эту оперу лирическими сценами, чтобы подчеркнуть лиричность своего произведения. Вспомните характер этих лирических сцен - начиная от девичьего дуэта Татьяны и Ольги, и кончая драматической встречей Татьяны с Онегиным. Даже сцена дуэли, завершающаяся смертью Ленского, написана в нежных лирических тонах.
На этот раз вы должны назвать вот такие цвета (почти белые):
бледно-голубой, бледно-зеленый и бледно-розовый.
Попробуйте задать эти и другие вопросы в кругу друзей и знакомых - интересный разговор или спор может у вас завязаться. Ведь от удачного сочетания красок и музыки зависит удача художника в театре. А то музыка в оперном или балетном спектакле часто страдает, оттого что во время увертюры, которая должна настроить слушателей, как мы настраиваем радиоприемник на нужную волну, перед нашими глазами висит ничего не выражающий грязно-рыжий занавес. А во время самого спектакля найти сочетание цвета и музыки еще труднее - действие на сцене и музыка меняются, движутся, развиваются. Зато интересна работа театрального художника - увлекательные задачи ставит музыка.

Сокровища искусства велики, и в них много разных граней, так как все страны и народы обогащают их своим талантом, тем своеобразием и необычностью, которые отличают эти народы друг от друга. Каждый народ рождает своих музыкантов, писателей, поэтов, художников, скульпторов и архитекторов.
Эта сокровищница была бы гораздо беднее, если бы в нее не внесли свой вклад такие композиторы, как украинец Лысенко, армяне Комитас и Спендиаров, киргиз Сатылганов, азербайджанец Гаджибеков, грузин Палиашвили, латыш Витол и другие музыканты, чье творчество стало почвой, на которой выросло музыкальное искусство всех стран и народов.
В этом ряду стоит имя литовца Чюрлёниса - он был и композитором, и художником. Оба этих таланта принесли свои прекрасные плоды. То, что Чюрлёнис соединил музыканта и художника в одном лице, тесно связывает его живописные произведения с музыкальным творчеством. Так что вам будет интересно узнать об этом необычном мастере.
За свою короткую жизнь Чюрлёнис успел сделать так много, что заслужил славу классика литовской музыки и крупного литовского художника. Он стремился в музыке приблизиться к живописным картинам, а картинами вызывал у зрителей ощущение, что они слушают музыку.
У него есть симфонические поэмы "В лесу" и "Море". Как писал он сам в письмах к друзьям и близким, "В лесу" начинается с тихих широких аккордов, как тихий и широкий шелест литовских сосен, а "Море" состоит из шума волн, таинственной речи столетнего леса и мерцания звезд.

http://www.youtube.com/watch?v=shJvudjPHdc

http://www.youtube.com/watch?v=TQeub39T-9c

И несмотря на то, что композитор не может изобразить лес или море так же, как художник, музыка Чюрлёниса заставляет нас поверить, что мы действительно не только слышим, но и видим море, то спокойное, то бурное, и раскинувшийся на побережье сосновый лес.
А своими картинами Чюрлёнис вызывает у зрителей такое ощущение, как будто звучит музыка. Его картины даже имеют музыкальные названия - прелюдии, фуги, сонаты. Например, "Соната моря", "Соната звезд", "Соната весны", "Соната пирамид".
Сонатами называются музыкальные произведения, написанные в нескольких частях. Живописные сонаты Чюрлёниса тоже состоят из нескольких картин. По содержанию они необычны и даже фантастичны - не зря же его называют символистом.
Вот, например, "Соната моря":
1 - аллегро. Высоко вздымаются волны, но они не страшные, а радостные. Со смехом набегают они на песчаные холмы-дюны, разбрасывая во все стороны брызги мелкого веселого янтаря. Еле видная над водой, стремительно летит чайка, словно хочет слиться с волнами. А за ней просвечивает через воду, как будто стремясь вырваться и взлететь, рыба.



2 - анданте. Эта часть спокойна, недвижима. Ночь, фосфорным цветом обрисованы очертания сказочного подводного города. Рядом человеческая рука держит на ладони парусное судно - хочет поднять его с морского дна на поверхность, где 2 неподвижных корабля излучают мягкий и нежный желтый свет.



3 - финал. Гигантская волна закрыла собой всё небо. Эта волна еще страшнее 9 вала у Айвазовского. Словно ожидая гибели, трепещут у подножья этой волны 4 маленьких кораблика. Вся картина полна трагического напряжения.



Художник-музыкант воплотил в этих картинах музыку моря - то жизнерадостную, то затихшую, то страшную.
Если на картины Чюрлёниса посмотреть мельком и не сосредоточить на них внимания, они кажутся непохожими на то, что мы видим вокруг себя, какими-то надуманными. Но когда первое впечатление проходит, начинаешь понимать, что всё, изображенное на картинах, не более надумано, чем ковры-самолеты, змеи-горынычи и другое, о чем мы читаем в сказках и видим на иллюстрациях к ним. За этой сказочностью кроются настоящие человеческие чувства и раздумья.
Когда французский писатель и музыкант Ромен-Роллан познакомился с картинами и музыкальными произведениями Чюрлёниса, он поразился стремлению этого мастера сблизить музыку с живописью и, сравнив его с Колумбом, открывшим Америку, сказал, что Чюрлёнис открыл новый "духовный континент", но не на земле, а в искусстве.

Чюрлёнис - явление уникальное. Другого мастера, который был бы одновременно художником и композитором, найти невозможно.
Но есть много музыкальных произведений разных эпох и народов, которые сочинены с расчетом на то, что их будут и слушать, и смотреть. Это музыка для театра и кино. И в спектакле, и в кинофильме мы слушаем музыку и смотрим на то, что происходит на сцене или экране.
Например, послушайте вступление к опере Мусоргского "Хованщина", известное также как "Рассвет над Москвой-рекой".

http://www.youtube.com/watch?v=XvTGSYElepg

Эта музыка хорошо звучит не только в театре, но и в концертном зале вместе с другими симфоническими произведениями. Она будет восхищать вас и красотой мелодий, напевных, как русская песня, и нарисованной композитором картиной того, как, борясь с уходящей ночью, рождается новый день. Композитор добавил к музыке 2 изобразительные подробности, уточняющие нарисованную им картину рассвета - короткие фразы гобоя и трубы, изображающие утреннюю перекличку петухов, и колокольный звон, как бы приглашающий на утреннюю молитву.
То же самое мы услышим и при исполнении "Рассвета" в оперном театре, но мы его еще и увидим - слуховое восприятие будет обогащено зрительным: лучи солнца позолотят нарисованные в глубине сцены купола церквей, раздастся колокольный звон, ночное небо станет розовым и голубым, а пустая сцена наполнится людьми. Когда мы это увидим и услышим, впечатление возрастет - зрительные образы помогут воспринять музыку, и благодаря музыке сами наполнятся чувствами. Тут на нас будет воздействовать и музыка, и живопись, и свет, и сцена с действующими актерами, и само действие.
А если мы будем знать, что старая боярская Русь сопротивлялась новому, которое хотел дать своей стране ее преобразователь Петр 1, что старому пришлось уйти в прошлое и уступить место новому - тогда мы будем слушать "Рассвет над Москвой-рекой" по-другому: услышим в этой музыке рассвет не только над Москвой-рекой, но и надо всей Русью. Возможно, что именно это и хотел выразить Мусоргский в "Хованщине".
Убедиться в том, как меняется впечатление от музыки, которую мы только слушаем или только смотрим, нетрудно. Для этого попробуйте проделать в театре или перед телевизором, где показывают оперу, балет или кинофильм, такой опыт - сначала закройте уши или выключите звук у телевизора, а потом откройте уши и закройте глаза. Вы убедитесь в том, что музыка, рассчитанная на то, чтобы ее смотрели, много теряет, если мы ее только слушаем, и бедным становится зрительный образ, который мы воспринимаем только глазами, когда он рассчитан на то, чтобы мы его услышали.

Вернемся еще раз к Берлиозу, автору Траурно-триумфальной симфонии. Есть у этого композитора и Фантастическая симфония - наряду с простыми жизненными эпизодами, в ней есть и фантастический, о замысле которого композитор рассказал так: "Герой симфонии видит себя на шабаше среди скопища ведьм, колдунов и всякого рода чудовищ".

http://www.youtube.com/watch?v=f_t8_HOFdjo

Но есть в этой симфонии другая по характеру часть - сцена в полях. Музыка этой части спокойная, безмятежная, почти не движется - такое впечатление может вызвать картина бескрайней дали, тихих, застывших в вечерних сумерках полей. Вдруг издалека раздается пастушеский рожок, а другой отвечает. Мы теперь видим не только поля, но и стада, и силуэты пастухов, слышим перекличку рожков. А спустя некоторое время издалека раздаются раскаты грома - один ближе, другой еще ближе. Тишина становится напряженной, пастушеские наигрыши - тревожными. Но гроза прошла стороной - ее рокот опять доносится издали. Затейливая мелодия пастушеской свирели на этот раз не получает отклика. Опять неподвижность и бескрайние поля.
Когда мы слушаем эту поэтичную и живописную музыку, в нашем сознании вырисовывается картина - мы видим ее внутренним зрением, которое существует у нас так же, как и внутренний слух.
Не только живопись можно услышать, но и музыку увидеть - хотя это и не обязательно. Но эти 2 самостоятельных и независимых друг от друга искусства тесно связаны друг с другом.
Точно так же близки друг другу все искусства, но мы, привыкнув замечать различия между ними, не замечаем их близости.

Такой вопрос задают часто - и так же часто отвечают на него, с полной убежденностью в своей правоте.
Одни говорят, что слова важнее - они раскрывают мысль, заложенную в песне, ее идею и сюжет, а если мысль, идея и сюжет непонятны, песня становится неинтересной и ненужной. И еще ссылаются на то, что из песни слов не выбросишь - как будто музыку можно выбросить. А другие утверждают, что музыка важнее, и, в подтверждение своей правоты, называют стихи, которые никакой самостоятельной ценности не представляют - например, тот же Чайковский писал замечательные песни и романсы на посредственные слова.
Кто прав в этом споре? Прислушаемся к песням, проследим за их судьбой и вспомним то, как они создавались.
Прочитайте рассказ Горького "Как сложили песню". В этом рассказе ничего не придумано - Горький сам видел и слышал всё описанное, когда жил в Арзамасе:

"Вот как две женщины сложили песню, под грустный звон колоколов монастыря, летним днем. Это было в тихой улице Арзамаса, пред вечерней, на лавочке у ворот дома, в котором я жил. Город дремал в жаркой тишине июньских будней. Я, сидя у окна с книгой в руках, слушал, как моя кухарка, дородная рябая Устинья, тихонько беседует с горничной моего шабра, земского начальника.
- А еще чего пишут? - выспрашивает она мужским, но очень гибким голосом.
- Да ничего еще-то, - задумчиво и тихонько отвечает горничная, худенькая девица, с темным лицом и маленькими испуганно-неподвижными глазами.
- Значит, - получи поклоны да пришли деньжонок, - так ли?
- Вот...
- А кто как живет - сама догадайся... эхе-хе... В пруду, за садом нашей улицы, квакают лягушки странно стеклянным звуком; назойливо плещется в жаркой тишине звон колоколов; где-то на задворках всхрапывает пила, а кажется, что это храпит, уснув и задыхаясь зноем, старый дом соседа.
- Родные, - грустно и сердито говорит Устинья, - а отойди от них на три версты - и нет тебя, и отломилась, как сучок! Я тоже, когда первый год в городе жила, неутешно тосковала. Будто не вся живешь - не вся вместе, - а половина души в деревне осталась, и всё думается день-ночь: как там, что там?..
Ее слова словно вторят звону колоколов, как будто она нарочно говорит в тон им. Горничная, держась за острые свои колени, покачивает головою в белом платке и, закусив губы, печально прислушивается к чему-то. Густой голос Устиньи звучит насмешливо и сердито, звучит мягко и печально.
- Бывало - глохнешь, слепнешь об злой тоске по своей-то стороне; а у меня и нет никого там: батюшка в пожаре сгорел пьяный, дядя - холерой помер, были братья - один в солдатах остался, ундером сделали, другой - каменщик, в Койгороде живет. Всех будто половодьем смыло с земли...
Склоняясь к западу, в мутном небе висит на золотых лучах красноватое солнце. Тихий голос женщины, медный плеск колоколов и стеклянное кваканье лягушек - все звуки, которыми жив город в эти минуты. Звуки плывут низко над землею, точно ласточки перед дождем. Над ними, вокруг их - тишина, поглощающая всё, как смерть.
Рождается нелепое сравнение: точно город посажен в большую бутылку, лежащую на веку, заткнутую огненной пробкой, и кто-то лениво, тихонько бьет извне по ее нагретому стеклу.
Вдруг Устинья говорит бойко, но деловито:
- Ну-кось, Машутка, подсказывай...
- Чего это?
- Песню сложим...
И, шумно вздохнув, Устинья скороговоркой запевает:

Эх, да белым днем, при ясном солнышке.
Светлой ноченькой, при месяце...

Нерешительно нащупывая мелодию, горничная робко, вполголоса поет:

Беспокойно мне, девице молодой...

А Устинья уверенно и очень трогательно доводит мелодию до конца:

Всё тоскою сердце мается...

Кончила и тотчас заговорила весело, немножко хвастливо:
- Вот она и началась, песня! Я те, милая, научу песни складывать, как нитку сучить... Ну-ко...
Помолчав, точно прислушавшись к заунывным стонам лягушек, ленивому звону колоколов, она снова ловко заиграла словами и звуками:

Ой, да ни зимою вьюги лютые,
Ни весной ручьи веселые...

Горничная, плотно придвинувшись к ней, положив белую голову на круглое плечо ее, закрыла глаза и уже смелее, тонким вздрагивающим голоском продолжает:

Не доносит со родной стороны
Сердцу весточку утешную...

- Так-то вот! - сказала Устинья, хлопнув себя ладонью по колену. - А была я моложе - того лучше песни складывала! Бывало, подруги пристают: "Устюша, научи песенке!" Эх, и зальюсь же я!.. Ну, как дальше-то будет?
- Я не знаю, - сказала горничная, открыв глаза, улыбаясь.
Я смотрю на них сквозь цветы в окне; певицы меня не замечают, а мне хорошо видно глубоко изрытую оспой, шершавую щеку Устиньи, ее маленькое ухо, не закрытое желтым платком, серый бойкий глаз, нос прямой, точно у сороки, и тупой подбородок мужчины. Это баба хитрая, болтливая; она очень любит выпить и послушать чтение святых житий. Сплетница она на всю улицу, и больше того: кажется, все тайны города в кармане у нее. Рядом с нею, крепкой и сытой, костлявая, угловатая горничная-подросток. Да и рот у горничной детский: маленькие, пухлые губы надуты, точно она обижена, боится, что сейчас еще больше обидят, и вот-вот заплачет.
Над мостовой мелькают ласточки, почти касаясь земли изогнутыми крыльями: значит, мошкара опустилась низко, - признак, что к ночи соберется дождь. На заборе, против моего окна, сидит ворона неподвижно, точно из дерева вырезана, и черными глазами следит за мельканием ласточек. Звонить перестали, а стоны лягушек еще звучней, и тишина гуще, жарче.

Жаворонок над полями поет,
Васильки-цветы в полях зацвели, -

задумчиво поет Устинья, сложив руки на груди, глядя в небо, а горничная вторит складно и смело:

Поглядеть бы на родные-то поля!

И Устинья, умело поддерживая высокий, качающийся голос, стелет бархатом душевные слова:

Погулять бы, с милым другом по лесам!..

Кончив петь, они длительно молчат, тесно прижавшись друг ко другу; потом женщина говорит негромко, задумчиво:
- Али плохо сложили песню? Вовсе хорошо ведь...
- Гляди-ко, - тихо остановила ее горничная.
Они смотрят в правую сторону, наискось от себя: там, щедро облитый солнцем, важно шагает большой священник в лиловой рясе, мерно переставляя длинный посох; блестит серебряный набалдашник, сверкает золоченый крест на широкой груди.
Ворона покосилась на него черной бусиной глаза. И, лениво взмахнув тяжелыми крыльями, взлетела на сучок рябины, а оттуда серым комом упала в сад.
Женщины встали, молча, в пояс, поклонились священнику. Он не заметил их. Не садясь, они проводили его глазами, пока он не свернул в переулок.
- Охо-хо, девушка, - сказала Устинья, поправляя платок на голове, - была бы я помоложе да с другой рожей...
Кто-то крикнул сердито, сонным голосом:
- Марья!.. Машка!..
- Ой, зовут...
Горничная пугливо убежала, а Устинья, снова усевшись на лавку, задумалась, разглаживая на коленях пестрый ситец платья.
Стонут лягушки. Душный воздух неподвижен, как вода лесного озера. Цветисто догорает день. На полях, за отравленной рекой Тёшей, сердитый гул, - дальний гром рычит медведем".

Эти простые русские женщины приехали в город из деревни, работают в чужих домах и не находят покоя от тоски по своей стороне.
Любовь к песне живет в душе этих женщин, как и в душе каждого человека. Обе они готовы сложить новую песню из своих раздумий и чувств и найти в песне, самими созданной, душевное облегчение и жизненную опору.
Так зародилась и стала складываться на наших глазах песня. Горький просто описал этот таинственный, немножко непонятный акт творчества. В этой простоте заключена мудрость писателя, его талант и наблюдательность, помогающая проникнуть внутрь всего, что он видел и о чем писал.
Он раскрыл эту сердцевину перед нами в сцене рождения песни, показал, как просто и естественно создавали творцы из народа свои песни, не будучи поэтами и композиторами. Для народных творцов песня никогда не делилась на музыку и стихи - мелодия создавалась вместе со словами, а слова возникали вместе с мелодией.
Если бы мы спросили Устинью или Машу, что в песне важнее - мелодия или слова, они бы ответили: "А что в человеке важнее - ум или сердце?" - или: "А разве они порознь существуют?"
И в самом деле, в народной песне, которая создавалась безвестными творцами, музыка и слова существовали вместе - это был неразделимый сплав, цельное, неразрывное и единое музыкально-поэтическое искусство. Таким единым и неразделимым в народной песне был сплав мыслей и чувств, ума и сердца народа, создавшего эти песни.

Вы знаете песню "Ревела буря, дождь шумел, во мраке молнии блистали, и беспрерывно гром гремел, и ветры в дебрях бушевали".

http://www.youtube.com/watch?v=O-qejVg0s4Y

А можете ли вы ответить на вопрос - народная это песня или нет?
И то, и другое. Кто сочинил музыку этой песни, мы пока еще не знаем - имя ее создателя неизвестно. А вот автор стихов - поэт-декабрист Рылеев, повешенный за то, что участвовал в организации восстания, и за стихи, возмущавшие народ против самодержавия.
Выпуская сборник своих дум, Рылеев и не помышлял, что дума о Ермаке будет положена на музыку и превратится в народную песню.
Став песней, дума о Ермаке зажила новой жизнью, но продолжала жить и самостоятельно, как стихотворение талантливого поэта. И все-таки прочитайте стихи без музыки, а потом спойте мелодию без слов - вы почувствуете, что, связанные воедино, они обретают силу, которой порознь не имеют.
Таких песен, рожденных от слияния стихов известных поэтов с музыкой забытых народных сочинителей, мы знаем много - "Кольцо души-девицы" Жуковского, "Сквозь волнистые туманы" Пушкина, "Соловьем залетным" Кольцова, "Выхожу один я на дорогу" Лермонтова, "Коробейники" Некрасова.

http://www.youtube.com/watch?v=krYTlW0RHPA

http://www.youtube.com/watch?v=u-QDtk3pAYw

http://www.youtube.com/watch?v=ybmsCq0EWrQ

http://www.youtube.com/watch?v=OAoW_QpgC7M

http://www.youtube.com/watch?v=v5MN2U8OjlI

Так складывались не только русские, но и украинские песни. Например, мелодии песен "Заповiт" и "Реве та стогне Днiпр широкий" на стихи Шевченко сочинены учителями - полтавский учитель пения Гладкий сочинил мелодию "Заповiта", а белгородский учитель русского языка и латыни Крыжановский сочинил мелодию песни "Реве та стогне Днiпр широкий". Профессиональными музыкантами они так и не стали, поэтому, даже зная их имена, мы называем сочиненные ими песни народными.

http://www.youtube.com/watch?v=9LyWKVO2ncg

http://www.youtube.com/watch?v=TjeNIQeNWtk

Стихи, ставшие народными песнями, проникнуты любовью к народу, сочувствием к его тяжелой доле, пониманием народной жизни. В этих стихах поэты радовались и печалились вместе с народом. Поэтому народ сложил музыку на эти стихи и запел их, как свои собственные, им самим созданные.
Народные певцы, передавая песни из уст в уста, изменяли и мелодии, и слова. Например, в песне "Колодники" припев "динь-бом, слышен звон кандальный" родился в народе - в стихотворении Алексея Толстого никакого припева вообще нет.

http://www.youtube.com/watch?v=mIIKAuYl7oM

Изменениям подвергались даже стихи Пушкина. По-разному пелись его слова в песне "Узник". Стихи эти нравились народу за смелый образ молодого орла, призывающего к свободе. Но сложный язык пушкинского стихотворения непривычен для народных песен, и народ, внося свои изменения, старался сделать Пушкинские строки простыми и понятными.

http://www.youtube.com/watch?v=v8N35A6XpNo

Так стихи, созданные известными поэтами-профессионалами, с музыкой мастеров из народа, становились песнями. Поэтому мы встречаем эти стихи и в сборниках песен, и в сборниках стихов.

Нетрудно представить себе, что на литературном или музыкальном вечере с эстрады будут прочитаны стихотворения "Узник", "Дума о Ермаке", "Заповiт" - но вряд ли на этом вечере будет пропета только мелодия этих песен без слов, как вокализ.
А в концертах фортепьянной, камерной и симфонической музыки с бессловесным звучанием песен мы встречаемся часто - это и "Камаринская" Глинки, и симфонии Чайковского, и струнные квартеты Бетховена.
Музыка песни без слов много теряет, но, соприкасаясь с инструментальной музыкой, приобретает не меньше. Композитор получает возможность раскрытия песенной мелодии так, что мы даже и не догадываемся, в каком простом и скромном виде она сложена своими создателями. В симфоническом оркестре композитор передает мелодию от одного инструмента к другому, добавляет подголоски, заставляет ее звучать то тихо в исполнении одного инструмента, то громко, сливая все инструменты оркестра, может соединять одну мелодию с другими, добавляя свои собственные. Скромная песенная мелодия, включаясь в поток симфонической музыки, разрастается до огромных масштабов.
Конечно, никакая симфония не заменит песню - но композитор о такой замене даже и не помышляет. Например, Кабалевский сочинял музыку к фильму "Щорс".

http://www.youtube.com/watch?v=_Y8xmilht-Y

В этом фильме есть такой эпизод - по выжженной, растерзанной врагами украинской земле медленно идут бойцы и несут на носилках умирающего командира.
Кабалевский и Довженко долго думали, какая музыка должна звучать в этом печальном и героическом эпизоде, всматривались и вслушивались в безмолвные кадры фильма. Но эти кадры не были безмолвными - командир своими предсмертными словами просил бойцов не выпускать оружия из рук до полной победы над врагом.
Этот умирающий, но зовущий к борьбе командир чем-то напоминает Шевченко. Поэтому в оркестре зазвучала народная мелодия "Заповiт" - без слов, без пения. Музыка, выросшая из песни, наполнила этот эпизод силой и смыслом - она протянула нить от современных героев к первым революционерам и зазвучала, как реквием памяти всех, кто погиб за Украину.
Так что не только слова, но и мелодия несет в себе идею, мысль песни, раскрывает ее характер. Даже оставшись без слов, песенная мелодия, как музыкальный символ, помогает слушателям ощутить характер музыки и делает понятным замысел композитора и содержание произведения.

Так с полным правом мы можем назвать современную песню. Эта песня стала частью жизни всего народа, и трудно представить, что когда-то общенародных песен просто не существовало.
Когда бОльшая часть народа жила в селах и деревнях, народная песня была преимущественно крестьянской. Народ пел о своей тяжелой доле под гнетом помещиков, в этих песнях звучали гнев и ненависть к помещичьему строю, терпеть который крестьянам было трудно. Помещики боялись этих песен.
А потом запели свои боевые песни рабочие и революционеры. Могли ли спокойно относиться к этим песням те, против кого они направлены? Вместе с революционерами песни уходили в подполье - их пели шепотом, вполголоса, чтобы не навести на след полицию. Песня стала участником борьбы, ее запрещали, боролись с ней, как с врагом, а тех, кто ее пел, арестовывали и ссылали на каторгу.
В тех кругах помещичье-дворянского аристократического общества, которые чувствовали приближение народного восстания и были как будто стеной отгорожены от рабочих и крестьян, пели свои песни - сентиментальные, далекие от народной жизни, лишенные мыслей и чувств, эти песни были непонятны народу.
Впоследствии песни рабочих и крестьян пришли на помощь строителям новой жизни. Эти песни стали основой, на которой выросла и развивалась общенародная массовая песня. Она выражает мысли и чувства всего народа, объединенного общими интересами.
У этой общенародной массовой песни обычно 2 автора - поэт и композитор. И хоть издаются песни музыкальными издательствами, без поэта, написавшего слова, не могла бы родиться песня.
Поэты и композиторы создали столько массовых песен, что перечислить их все не представляется возможным. Лучше вы сами вспомните песни братьев Покрасс, Васильева-Буглая, Александрова, Дунаевского и поэтов, на чьи слова они писали свои песни. Не забудьте Дешкина и Жарова, сочинивших пионерскую песню "Взвейтесь кострами, синие ночи".

http://www.youtube.com/watch?v=jbGWBsJdGsw

Вспомните песни войны, песни, написанные в послевоенные годы. Песни лирические, распевные - "Вечер на рейде" Соловьева-Седого и Чуркина, "Подмосковные вечера" Соловьева-Седого и Матусовского.

http://www.youtube.com/watch?v=NJAI5hhsFjI

http://www.youtube.com/watch?v=L-yFy3Lqezo

Песни бодрые, маршевые - "Гимн демократической молодежи" Новикова и Ошанина, "Солнечный круг" Островского и Ошанина.

http://www.youtube.com/watch?v=kIvCdShD2BM

http://www.youtube.com/watch?v=VROFLJCSEkM

Песни, окрашенные романтикой далеких походов - "Орленок" Белого и Шведова, "Песня о тревожной молодости" Пахмутовой и Добронравова.

http://www.youtube.com/watch?v=vJynaU_fWI0

http://www.youtube.com/watch?v=sXW-lJgmVYc

Песни о военных годах - "Ой, Днипро, Днипро" Фрадкина и Долматовского, "На безымянной высоте" Баснера и Матусовского.

http://www.youtube.com/watch?v=p3aekvlV5RE

http://www.youtube.com/watch?v=IwItpHOV79k

Шутливо-танцевальные песни - "Я шагаю по Москве" Петрова и Михалкова.

http://www.youtube.com/watch?v=IwORy408uNo

Вчитайтесь и вслушайтесь в слова этих песен - вы найдете в них мысли, чувства и образы. Слова песен увлекают не меньше, чем музыка, на которую они поются. Но вряд ли эти слова живут, как самостоятельные стихотворения, которые можно читать на литературном вечере - они писались специально для того, чтобы пуститься в полет по жизни, именно как песни, вместе с музыкой. Точно так же создавались слова и в народных песнях - они редко живут отдельно от музыки, самостоятельной поэтической жизнью.
Поэт и композитор всегда трудятся над песней вместе. Часто поэт пишет слова до того, как композитор начнет сочинять музыку, иногда слова и мелодия создаются одновременно, а бывает, что и мелодия начинает песню, потом поэт пишет слова. Но главное при этом - совместность работы композитора и поэта (а иногда даже и в одном лице).
Поэты подсказывают композиторам ритм песни, форму, строение, а композиторы принимают участие в сочинении слов, что-то меняя в стихах, предложенных поэтом. Это похоже на то, как в давние времена народ складывал песни.
И не случайно многие современные песни получают такое широкое распространение, что во всех странах их называют народными, забывая, кто их сочинил.

Поэт Ошанин, который вместе с композитором Новиковым сочинил "Гимн демократической молодежи", однажды рассказал интересную историю. В Австрии, на международном фестивале молодежи и студентов, он услышал, как швейцарцы поют "Песню о встречном" Шостаковича и Корнилова.

http://www.youtube.com/watch?v=c6blbEp1IHE

Ошанина заинтересовало, знают ли швейцарцы, кто написал эту песню, и он спросил, какую песню они поют.
"Неужели вы не знаете этой песни?" - удивились они. - "Ее поют и в Швейцарии, и в Венгрии, и в Америке. Нам даже рассказывали, что ее знают и в России".
Кто сочинил эту песню - швейцарцы так и не узнали. Не знают этого и в других странах, где песню Шостаковича иногда поют с новыми словами. Перелетев через границу, она стала для многих народной песней, и мало кто знает, где и кем она создана.
Похожую историю рассказал один журналист, приехав из Венгрии: "Молодые крестьяне попросили нас послушать в их исполнении венгерские народные песни. Мы удивились, когда они запели "По долинам и по взгорьям". Мы сказали, что это дальневосточная партизанская песня. Они ответили, что там нет ни слова ни о партизанах, ни о Дальнем Востоке, что это песня об их счастливой жизни. Потом они сказали, что исполнят другую народную песню, и запели "Если завтра война" Покрасса. На этот раз мы не стали спорить и ответили, что у нас тоже поют эту песню".

http://www.youtube.com/watch?v=RoNExdcPgf0

http://www.youtube.com/watch?v=vSrXtKrrX8Q

А вот еще интересная история. В Японии есть небольшое кафе, которое заполняют молодые любители пения. Это кафе называется "Катюша". Имя написано русскими буквами на книжках со словами русских, французских и японских песен.
Откуда взялось в Японии русское имя? После войны в разных странах распространились русские песни - в том числе и "Катюша" Блантера и Исаковского.

http://www.youtube.com/watch?v=EfvNmHE8aSM

Ее именем даже назвали реактивный миномет. И везде неизвестные стихотворцы придумывали к ней новые слова. Например, итальянские партизаны пели ее под названием "Свистит ветер". Она залетела и на Восток, став любимой песней японской молодежи.
Последний пример напомнит вам о судьбе "Интернационала" - песни, известной практически всем. Многие сборники песен начинаются "Интернационалом", и мы так привыкли к этой песне, что считаем ее своей. Точно так же и в странах Европы, Америки, Азии, Африки и Австралии считают "Интернационал" своей песней, хотя написали ее французский поэт Потье и бельгийский композитор Дегейтер.

http://www.youtube.com/watch?v=VjIewby4k0Y

Исаковский назвал музыку "крыльями" песни - это красивое, поэтичное и верное определение. Ведь, при всем равноправии музыки и слов, жизнь песне дает музыка - ни одни стихи не станут песней, пока их не поднимут в полет музыкальные "крылья".
Но эти "крылья" должны быть такие сильные, чтобы и самим взлететь, и слова за собой поднять. Хорошие стихи не станут песней, если на них написана плохая музыка. Это значит, что на слабых "крыльях" не в силах подняться в песенный полет даже Пушкин.
А вот с обратной картиной мы иногда встречаемся - могучие "крылья" поднимают даже слабые посредственные стихи. И так прекрасен полет этих "крыльев", что мы перестаем замечать изъяны поднятых в полет стихов - озаренные светом музыки, они и сами начинают светиться отраженными лучами. Этим и объясняется тот факт, что у Чайковского мы встречаем песни и романсы, сочиненные на посредственные стихи.
Но пусть этот известный факт не будет служить оправданием плохих стихов в песне - лучше на вопрос, что в песне важнее, музыка или стихи, ответить вопросом: "Разве они порознь существуют?"

Представьте, что на свете нет ни прозы, ни поэзии, ни драматургии, ни музыки, которая с ними связана. Что случится тогда с музыкой?
Нам придется распрощаться с песнями - народными и профессиональными, детскими и взрослыми, сольными и хоровыми, массовыми и эстрадными, лирическими и героическими, шуточными и серьезными, созданными давно и только задуманными, с песнями разных стран и народов.
Вслед за песнями исчезнут романсы, дуэты, трио, квартеты и другие ансамбли для голосов, музыка для детских, юношеских, женских, мужских и смешанных хоров. Та же судьба постигнет и крупные произведения, в которых к прозе и поэзии прибавляется драматургия - это кантата, оратория, оперетта, мелодрама и опера.
А если исчезнут песни, то исчезнут и оркестровые, камерные, фортепьянные произведения, в которых использованы мелодии этих песен - ведь песенными мелодиями разных народов пользовались все композиторы.
Нам и с балетом надо расстаться - в основе балета лежит литературное произведение, например, трагедия Шекспира "Ромео и Джульетта" у Прокофьева, поэма Пушкина "Медный всадник" у Глиэра, сказки "Лебединое озеро", "Спящая красавица" и "Щелкунчик" у Чайковского или специально написанная по заказу пьеса "Гаянэ" у Хачатуряна.

http://www.youtube.com/watch?v=c5NHYs9aMxo

http://www.youtube.com/watch?v=bf3nRUFJ_v4

http://www.youtube.com/watch?v=Bg_jFwt955A

http://www.youtube.com/watch?v=_ULAjRMD790

http://www.youtube.com/watch?v=AXPn1jPHHgI

http://www.youtube.com/watch?v=s9jbn27wIew

Есть также "программные" произведения, названия которых указывают на их связь с литературой - например, симфоническая сюита Хренникова "Много шума из ничего" по Шекспиру и симфонические "гравюры" Караева "Дон Кихот" по Сервантесу. Такие произведения тоже не могли бы появиться, если бы не было литературы.

http://www.youtube.com/watch?v=3G_d2Qj62Z4

Теперь мы ясно видим, какую опору для музыки представляет ее сестра-литература - из музыки литературы не выбросишь. Благодаря литературе музыка становится богаче, сильнее воздействует на слушателей, делается понятной и доступной.

Первой жертвой исчезновения музыки стали бы стихи - раз нет песен, не было бы и причины их сочинять.
Не жили бы вместе с музыкой литературные произведения - а ведь музыка обогащала их и раскрывала с новой стороны. Возьмем, например, Пушкина - оперы "Руслан и Людмила" Глинки, "Русалка" и "Каменный гость" Даргомыжского, "Борис Годунов" Мусоргского, "Пир во время чумы" и "Капитанская дочка" Кюи, "Дубровский" Направника, "Моцарт и Сальери", "Сказка о царе Салтане" и "Золотой петушок" Римского-Корсакова, "Евгений Онегин" и "Пиковая дама" Чайковского, "Алеко" и "Скупой рыцарь" Рахманинова, "Мавра" Стравинского, балеты "Бахчисарайский фонтан" и "Кавказский пленник" Асафьева, "Медный всадник" и "Домик в Коломне" Глиэра, романсы на Пушкинские стихи.

http://www.youtube.com/watch?v=lQjHkoyNvAE

http://www.youtube.com/watch?v=Sud6AOs_SeE

http://www.youtube.com/watch?v=_90gMy-JRDQ

http://www.youtube.com/watch?v=iVt6S5p1oAs

http://www.youtube.com/watch?v=8747NRjEVek

http://www.youtube.com/watch?v=BurP7IWO5XQ

http://www.youtube.com/watch?v=URAvOfNJvC0

http://www.youtube.com/watch?v=EkmkH-nhA3E

http://www.youtube.com/watch?v=odMoa7I_hnU

http://www.youtube.com/watch?v=16I8grKxD5w

http://www.youtube.com/watch?v=Ja_mxQCAGv8

http://www.youtube.com/watch?v=echQSH3xxYw

http://www.youtube.com/watch?v=cpMouDvWy3k

http://www.youtube.com/watch?v=DiHmR8m9NCU

Всё это вдохновлено Пушкиным, но и композиторы обогатили Пушкинское творчество - трудно представить "Онегина" и "Пиковую даму" без Чайковского, "Бориса Годунова" без Мусоргского, сказки без Римского-Корсакова.
А кто бы знал Мея, если бы Римский-Корсаков не написал на его сюжеты "Псковитянку" (преквел - "Боярыня Вера Шелога") и "Царскую невесту"?

http://www.youtube.com/watch?v=90pbRjO7VWw

http://www.youtube.com/watch?v=THqsGXh8gqU

http://www.youtube.com/watch?v=pFXk8UwG-PU

Никто бы не знал и Ратгауза, на чьи стихи Чайковский написал несколько романсов, в том числе и "Ночь". Эти стихи вызвали в нем какие-то мысли и чувства, которые вдохновили его на создание музыки.

http://www.youtube.com/watch?v=qFe3uc4BT2Q

Есть и еще одна область литературы, которая вполне может обходиться без музыки - и все-таки предпочитает брать ее себе в союзницы. Это драматургия - пьесы для театра и сценарии для кино. Режиссеры привлекают композиторов для написания музыки, усиливающей впечатление от спектакля или кинофильма. Если бы там не было музыки, спектакль или кинофильм много потеряли бы.

Но и это еще не всё. Литература, как искусство слова, даже не связанная с музыкой в единое поэтическое или драматическое целое, часто рассказывает о музыке, описывает ее звучание, делает ее участником событий и переживаний, заставляет нас слышать ее со страниц прозы или стихов.
Литература много потеряла бы, если бы у нее не было такой возможности. Не могли бы появиться рассказы "Певцы" Тургенева, "Слепой музыкант" Короленко, трагедия "Моцарт и Сальери" Пушкина, роман "Жизнь Бетховена" Ромен-Роллана и другие произведения, посвященные музыке, исчезло бы множество страниц Лермонтова, Есенина, Гоголя, Горького, Паустовского.
А попробуйте представить без музыки "Войну и мир" Толстого. Музыка звучит и в дни мира, и в дни войны. Причем это и песни, и танцы, и марши - везде мы встречаемся с 3 "китами".
Песни, романсы и хоры звучат часто. Поют солдаты - пехотинцы и кавалеристы, то с запевалой-барабанщиком, то с ложечником. Поют таборные песни цыгане. Много поют в доме Ростовых. Денисов, аккомпанируя себе на клавикорде, исполняет романс. Поют Борис Друбецкой, Николенька и Соня. Поют порознь, дуэтами и квартетом. А Наташа вообще без музыки и дня прожить не может - она учится профессиональному пению. Все наслаждались ее прекрасным голосом и хотели еще раз услышать его. Наташа пела и для себя, и для гостей, и для князя Андрея. Кроме того, она училась играть на клавикордах, арфе и гитаре.
Танцевальная музыка звучит на балах и праздниках - это мазурки, котильоны, экосезы, полонезы и вальсы. Именно под звуки вальса Наташа впервые встретилась с князем Андреем. И трудно отделить поэтичные строки Толстовского романа от волшебной мелодии Прокофьевского вальса.
Кроме того, кучер Митька играл на балалайке "Барыню", а дядюшка Ростовых пел под гитару охотничьи песни. Можно вспомнить и военные марши, и церковные перезвоны. В общем, звуча со страниц произведения, музыка неотделима от литературы, как и от всей жизни.
Естественность звучания "Войны и мира" на оперной сцене как раз и объясняется тем, что весь роман пронизан музыкальностью.

http://www.youtube.com/watch?v=LhFiiAe-FZY

Так сестра-музыка, обогащенная литературой, не осталась в долгу - музыка без литературы не могла бы жить полной жизнью, но и литературе без музыки пришлось бы нелегко.